Ulasan Video Tugu Atas Bukit karya Saiful Razman - Tergabungnya Garis Antara Protagonis dan Femme Fatale.

 

Sinopsis karya ''Tugu Atas Bukit'' dari pamphlet.

 

 Lakonan: Nadia Aqilah dan Meor Hashim Manap

Lakonan Suara: Ameera Ramlee, Fathil Dhani, NamRon dan Firdaus Karim.

Refleksi selepas tontonan.

 

Apa yang menarik tentang karya interdisiplin Tugu Atas Bukit (TAB) ini adalah gabungan gambaran memori silam Saiful  Razman ketika kecil, sastera lisan (oral history) dan alih wahana  iaitu terinspirasi dari novel Rentung karya  Sasterawan Negara, Dato’ Hj Shahnon Ahmad.

Berkesempatan menonton tayangan karya TAB di Balai Seni Negara, Saiful Razman telah membawa penikmat seni untuk meneroka pelbagai kemungkinan dan terserah kepada penikmat seni itu sendiri untuk memberi tafsiran berdasarkan komposisi video, pemaknaan setiap shot, dialog, bunyi dan pelbagai lagi. Saya memilih untuk melihat satu-satunya watak wanita dalam karya ini iaitu Amirah dan bagaimana kaitannya dalam video montage dan drama radio ini.

Thomas Aquinas, seorang ahli falsafah yang kuat pegangan agama pernah menyatakan, bahawa wanita sebenar tidak lengkap tanpa lelaki. Saiful Razman telah menentang pandangan itu dengan mewujudkan watak Amirah. Dalam karya ini, watak Amirah sangat mendekati ciri-ciri wanita yang ada dalam bergenre Neo-Noir, iaitu femme fatale. Tanpa Amirah, tidak akan ada ''Tugu Diatas Bukit''.

Peranan femme fatale kadang-kadang berubah dalam neo-noir. Watak-watak perempuan yang lebih simpati telah memainkan peranan penting dan menguatkan lagi genre ini. Dalam karya ini, Amirah telah kematian bapa, diceraikan dan pulang ke kampung untuk memulakan kehidupan baharu. Amirah pada mulanya hanya bertindak sebagai tukang urut wanita/bidan kampung beralih kepada urut batin untuk kaum lelaki di kampung itu.

Neo-Noir yang muncul selepas era perang di mana penempatan isu sosial menjadi lebih berbeza dan merumitkan: isu-isu kaum, jantina, dan status dicerminkan dengan memberikan takaran yang serius. Satu perkembangan yang menarik dalam eo-noir adalah tergabungnya garis antara protagonis dan femme fatale. Dalam video ini, Amirah telah meletakan dirinya dalam kedua-duanya aspek ini: protagonis dan femme fatale. Protagonis pada watak ini adalah beliau membantu kaum lelaki di kampung itu yang kebanyakannya lemah tenaga batin dan dalam masa yang sama, beliau berjaya mengubah pendirian Yop Pin untuk menjual tanah (untuk dijadikan sebuah jirat Cina) yang selama ini dipertahankan oleh Yop Pin selepas satu sesi ‘urutan’. Hal ini mendekati ciri- ciri neo-noir, iaitu eroticism dan seksualiti. Dalam karya ini, audio (drama radio) menjelaskan perbualan diantara Amirah dan Yop Pin yang sedang dalam sesi urutan manakala visual montage pula memaparkan Amirah sedang melembutkan segumpal tanah liat yang akhirnya menjadi bentuk panjang dan tebal (?).

Dalam konteks Neo-Noir, watak protagonis sebenarnya boleh menghindari segala macam masalah, tapi yang sukar adalah dia tidak boleh lari dari ilusinya sendiri yang kemudian membawa kedalam konflik penceritaan. Dalam konteks TAB, Amirah yang pada awalnya hanya mengurut kaum wanita sahaja dan diterima oleh orang kampung. Permasalahan mula timbul apabila beliau mula mengurut kaum lelaki dan peluang ini digunakan oleh Ngah Berahim untuk menghambat Amirah ke dalam konflik.

Selain itu, ciri-ciri Neo Noir yang terdapat dalam video ini antaranya inverted frames untuk menggambarkan ketidakstabilan watak dalam filem, kerana genre dalam neo-noir cenderung gelap dan wataknya tidak sempurna. Ini dapat dilihat pada watak Ngah Berahim seorang ketua kampung, yang pada awalnya video montage menggunakan warna yang suram dan penghujung cerita semakin gelap (black and white). Dalam tafsiran ini, watak Ngah Berahim seorang yang rasional, simpati dan empati. Pada awalnya beliau tidak bersetuju dan menyebelahi Yop Pin untuk tidak menjual tanah, lama kelamaan menggunakan Amirah untuk mengubah pendirian Yop Pin. Maka terciptalah Tugu Di Atas Bukit yang merupakan syarat Yop Pin sekiranya tanah itu diserahkan untuk dijadikan jerat.

Dalam satu adegan dimana kejahatan telah dilakukan, pencahayaan pada Amirah telah di terangkan hanya dikawasan mata sahaja. Harus diberi penekanan pada babak ini kerana pencahayaan juga merupakan salah satu ciri penting dalam kewujudan famme fatale. Cahaya yang jelas hanya diterangkan pada mata Amirah memberi gambaran yang jelas tentang fahaman feminisme ginokritik yang dipopularkan oleh Elaine Showwalter iaitu “women as writer”. Memandangkan penulis juga seorang perempuan iaitu Nurul Afna Akma, Saiful Razman telah berjaya mengangkat tulisan ke bentuk visual untuk menguatkan genre dan struktur penulisan yang ditulis oleh wanita dan dilakonkan oleh wanita. Garisan cahaya inilah yang saya sebutkan diawal tadi, tergabungnya garis antara protagonis dan femme fatale.

Sebenarnya Neo-Noir tetap berpijak pada visi utama sinema iaitu berupaya memberi refleksi apa yang sebenarnya terjadi dalam masyarakat. Mungkin inilah paparan Kg Cangkat Jong pada kaca mata Saiful Razman diera 90-an menerusi latar karya ini.

Saya mencadangkan Saiful Razman agar merentas satu lagi cabang kesenian iaitu teater untuk mengembangkan karya ini. Dalam era kontemporari masa kini, ada yang disebut sebagai teater immersive. Eksplorasi tentang ruang, bunyi, visual dalam video ini boleh meruntuhkan tembok pementasan konvensional teater dengan menghadirkan penonton lebih dekat untuk menikmati karya TAB ini. Penonton boleh 'lebih' mendengar, melihat, merasai segala bentuk visual yang dipamerkan dalam karya ini tanpa terhad di kerusi penonton seperti pementasan teater konvensional. Tahniah untuk seluruh tenaga kreatif TAB!

 

Naque Ariffin,

Tg Malim, Perak.

Ulasan Ringkas Teater Asrama-RA: Dorm Putra ACT II

Teater Asrama-Ra begitu dekat dengan diri aku. 10 tahun lalu, naskhah Asrama-Ra ini dipentaskan di bawah arahan aku dan Kahirunazwan Rodzy. Atmosphere yang di bina dalam naskah ini juga menggamit kenangan aku selaku pelajar yang pernah duduk di asrama sejak sekolah rendah hingga sekolah menengah. Kita tinggalkan kenang-kenangan dan biarlah ia tersemat dalam sanubari.

Kisah asrama dalam naskhah Asrama-Ra kali ini kelihatan agak taboo iaitu kes buli di asrama. Selaku penulis naskhah dan pengarah, Khairunazwan Rodzy (KR) telah menyuntik isu pemilihan pemimpin yang agak dekat dengan hati masyarakat dikala Malaysia menghampiri pilihanraya dalam menentukan pemimpin yang benar-benar boleh memimpin. Naskhah ini memberi tamparan kepada penonton impak sekiranya kita salah memilih seorang pemimpin. Saya kira cukup itu dulu tentang naskhah yang baik ini. Naskhah yang baik harus menceritakan tentang sekarang dan masa depan. Bukan lagi merakam masa lalu. KR kali ini tidak lagi meyanggah nostalgia dengan menulis kisah-kisah cinta, tetapi lebih manusiawi dan teknik penceritaan yang baik kerana wujud mini klimaks disetiap adegan dan membuatkan penonton tertunggu dan meneka apa akan berlaku. Itulah keajaiban teater, ia memiliki kekuatan untuk mengubah penonton, seorang individu dan membuka hati serta cara mereka berfikir. Sayangnya mereka-mereka yang memegang kuasa tertinggi hanya melihat kesenian hanyalah sebuah hiburan. Aku tinggalkan kekecewaan aku disini. Kita teruskan pada persembahan teater Asrama-Ra.

Beralih pada persembahan, tahniah buat Fadhli Masoot kerana berjaya mengawal emosi kesedihan yang tidak melimpah tetapi masih mampu menjentik emosi penonton. Seperti kata Shakespeare “kesedihan yang melampau-lampau adalah asing bagi seni lakon” melalui dialog Hamlet dalam naskah teaternya dengan judul yang sama (Hamlet). Fadhli meletakkan kematangan lakonannya untuk meletakkan “kematangan” watak Ijan, seorang pelajar sekolah menengah pada tahap sepatutnya tanpa perlu memaksa sehingga akhirnya menjadi rigid. Walaupun diakhir-akhir babak beliau seakan memerah emosi berlebihan, tetapi beliau tetap memegang falsafah yang dibentuk dalam penulisan KR iaitu “memaafkan mungkin tidak akan mengubah masa lalu, tapi tentu dapat berbuat lebih baik masa kini dan masa akan datang”. Jadi, diakhirnya kita melihat beliau begitu subtle dan tenang menyudahkah klimaks cerita ini.

Fadhli Masoot sebagai IJAN.

Asrama-RA: Dorm Putra ACT II juga di barisi oleh pelakon-pelakon lain seperti Nam Ron, Fimie Don, Han Zalini, Ikhlas Jalil, Idham Maulana, Anwar Rusdini, Sri Irdina dan Nesa Idrus.

Ikhlas Jalil dan Fimie Don juga berjaya mencuri tumpuan aku dalam pementasan ini. Mereka memegang watak yang diberikan dengan kukuh hingga ke akhir penceritaan dengan bantuan dialog, watak dan perwatakan yang dicipta oleh penulis dan pengarah.

Naskhah ini merupakan “actor play” dan bukannya “director play” pada pandangan aku. Ini kerana, ianya merupakan sebuah persembahan yang memerlukan kekuatan pelakon yang faham akan peranan masing-masing. Pelakon juga memainkan watak di atas pentas dan bekerja dengan arahan pasukan kreatif (pengarah, pereka set, pereka cahaya dll) untuk menghidupkan sesebuah teater. Ianya sebuah ensemble play tanpa memijak peranan pelakon lain. Perkara yang aku sebutkan diatas dapat di lihat diatas pentas dimana aktor-aktor tadi kelihatan tidak begitu terikat oleh kerja-kerja asas pengarahan seperti susun atur (blocking) ketika bermain melainkan transisi/penukaran babak. Mereka begitu selesa bermain.

Cuma ada beberapa perkara yang mungkin boleh diperlihatkan/diperbaiki dari segi lakonan. Melakonkan sesebuah naskhah ensemble play sebegini memerlukan fokus yang tinggi. Apa lagi ketika rakan lakon sedang berdialog. Ketika awal-awal persembahan, aktor-aktor diatas pentas seakan berusaha keras untuk mempamerkan seperti “oi.. lihatlah aku”. Masing-masing diantara mereka cuba mengatasi vokal sesama sendiri, dengan gesture yang besar dan berlebih-lebih dan tidak organik. Mungkin mereka sedar perkara ini setelah keluar dari pentas, barulah mereka masuk semula dengan kesatuan teater itu sendiri iaitu sebuah “kerja kolektif”. Mereka mula peka dengan apa yang berlaku, siapa yang sedang berdialog, patah dan makna dialog yang dilontarkan. Apa yang aku hormati pada mereka semua adalah tenaga yang diberikan ketika persembahan. Walaupun aku menonton persembahan ini pada petang hari (3.30pm), mereka tetap memberikan persembahan yang terbaik. Tahniah buat semua.

Pereka cayaha, Nawfal Zamri telah berjaya membantu pelakon dan penonton dengan memberikan pilihan-pilihan warna untuk membantu watak Ijan ketika sedang mengalami bisikan-bisikan (trauma/halusinasi) tentang kisah 6 bulan yang lalu dalam naskhah ini. Aku sering memberi penekanan tentang peranan tatacahaya dalam pementasan. Ianya bukan tentang cantik, tetapi adakah ia membantu atau memberi makna terhadap pementasan/sesuatu babak itu. Pemilihan warna dalam pencahayaan adalah penentu tingkah laku di atas pentas. Warna juga mempengaruhi persepsi yang menyebabkan emosi tertentu diatas pentas. Warna mempunyai kualiti yang boleh menyebabkan perubahan emosi pada pelakon dan penonton. Dalam kes ini, Nawfal memilih warna hijau, merah dan biru ketika bisikan pada watak Ijam datang. secara psikologi warna dalam rekaan cahaya, merah membantu merangsang secara psikologi dan meningkatkan tekanan darah dan kadar denyutan jantung.. Biru pula bertentangan dengan merah. Ia mempunyai kesan menenangkan dan neutral. Hijau adalah warna yang paling menenangkan untuk penglihatan manusia. Maka, gabungan ketiga-tiga warna ini telah melambangkan emosi Ijan yang sedang berada dalam tekanan, tetapi perlu tenang dalam masa yang sama kerana keliru dengan situasi yang berlaku.

Akhir kata, Tahniah buat semua tenaga produksi. Pujian harus juga diberikan juga pada tenaga pengurusan Revolution Stage. Setelah 13 tahun aku mengenali produksi ini, kali ini aku lihat mereka secara professional menguruskan sebuah pementasan dari pembelian box office, promosi, rakaman dll hal berkaitan pengurusan sebuah badan profesional. TAHNIAH.

Naque Ariffin,

Majlis Bandaraya Shah Alam.

11.10 Malam

(iya, aku masih dalam hall tengok Gegar Vaganza, tetapi pementasan petang tadi masih bermain dalam fikiran aku)

IGNITE: Menyalakan Kesunyian di Musim Pandemik

 

Menurut Dwi Maryani dalam jurnalnya, Wiraga, Wirama dan Wirasa dalam Tari, menghayati sebuah karya tari, kita tidak boleh lari dari 3 eleman iaitu raga, rasa, irama. “Raga” bererti para penari memiliki kemampuan serta keterampilan untuk mempamerkan setiap gerakan. Untuk mencapai definasi raga ini, ketepatan waktu, gerakan, tempo, dan perubahan gerak merupakan eleman yang sangat penting. “Rasa” menurut beliau pula adalah penari harus menyampaikan masej melalui gerakan tari serta ekspresi gerak atau tubuh dari para penari. Untuk mendapatkan rasa tersebut, para penari serta muzik haruslah seiring agar mendapatkan rasa yang diharapkan. “Irama” pula saling berhubungkait dengan rasa dimana irama dari gerakan tari datang dari iringan muzik. Antara penari dan muzik, kedua-dua elemen ini haruslah saling berkaitan agar masej yang ingin disampaikan kepada penonton dapat disampaikan dengan baik.

Pada pendapat saya pula, hal ini amat asing dalam tari kontemporari. Tari kontemporari lebih bersifat bebas serta tidak ada peraturan khusus tentang pola gerak atau eleman tarian yang lain. Harus di ingat, istilah kontemporari itu wujud atas kemuakan serta pemberontakan pengkarya zaman neo-klasik terhadap persembahan yang telah distrukturkan. Kebanyakan persembahan kontemporari berhubung dengan bentuk persembahan yang lebih segar serta falsafah yang lebih luas dan baru.

Malam ini saya berkesempana menonton sebuah persembahan tari kontemporari, IGNITE AN Evening of Virtual Contemporary Dance Performance. Persembahan ini dijayakan oleh  Fairul Zahid dan Kirby Dunnzell yang bertindak sebagai penari dan koreografer. Persembahan bermula pada 16 dan 17 Julai 2021 secara dalam talian.

Berbalik kepada persembahan malam ini, IGNITE dilihat masih terikat dengan ‘form’ lama dimana tidak banyak percubaan berani yang ditampilkan dalam persembahan malam ini atau lansung tidak ada dari kedua-dua koreografer dan penari ini. Karya ‘Lesson to Remember’  pada saya gagal mengangkat aspek kehidupan manusia pascamoden dalam era globalisasi masa kini. Sebagai seorang yang amat menitikberatkan penceritaan dalam sesebuah karya seni, saya melihat karya ini hilang arah dari aspek penceritaan dan emosinya. Segala emosi ketegangan, sunyi, kepayahan, bosan dan lain-lain dalam menghadapi perintah kawalan pergerakan (PKP) tidak dijelmakan sehabis baik dan sekadar ala kadar melalui gerak yang ditampilkan. Harus sedar, dalam elemen kontemporari, penceritaan  atau konsep yang diungkapkan melalui karya tari tersebut harus berhubungan dengan masalah kemanusiaan dan kekinian. Hal ini tidak jauh dengan situasi global yang kita hadapi sekarang iaitu pandemik. Ini yang saya katakan diawal tadi, tidak berani! Dalam mendepani kaedah persembahan secara dalam talian, tidak ada aspek visual yang membantu untuk menjadikan persembahan ini lebih menarik. Tiada bantuan teknologi terkini atau kaedah suntingan yang  menarik untuk dilihat. Ianya sekadar merakam sebuah persembahan, kemudian dipertontonkan kepada khalayak. Fairul seharusnya mengaplikasikan teknologi dan kaedah suntingan agar ianya sesuai dengan peredaran dunia teknologi masa kini yang terarah dengan RI 4.0. Karya (dis)simulation mengangkat tema kesunyian seorang lelaki dalam mendepani situasi pendemik ketika ini. Karya ini dilihat lebih subtle. Setiap gerakan memenuhi ruang tamu. Dengan keunikan koreografi yang dihasilkan oleh Kirby Dunnzell, hasil kerja beliau begitu kompleks, cermat dan padat untuk mempamerkan kesunyian yang terjadi dalam kehidupan sehari-hari sepanjang pandemik ini. Namun, karya ini juga dilihat tidak berani mengaplikasikan kaedah yang lebih terkini memandangkan ianya pre-recorded. Pelbagai kaedah-kaedah suntingan yang dapat diterokai dalam menjalankan persembahan secara maya ini. Mungkin kedua-dua koreografer ini hanya mahu melepaskan kerinduan membuat persembahan sahaja barangkali.

Namun, kedua-dua persembahan ini jika dilihat dari aspek lain, ianya boleh ditonton. Muzik dan gerak tari tidak menyatu dalam satu pola irama, namun menyatu dalam suasana. Saya kira inilah kekuatan kedua-dua buah persembahan ini. Fairul mempamerkan keindahan malam Kuala Lumpur dalam gerak yang cuba memecah kesunyian, menembusi batas keheningan malam, melangkah dan bersatu dengan diri sendiri. Fairul juga dilihat menggunakan props seperti kerusi, meja dan lampu tidur sebagai simbol mengusir kesunyian. Ada dua fasa saya kira dalam persembahan ‘Lesson to Remember’ ini. Fasa pertama adalah pasrah dimana gerak tari dan dipamerkan seakan tidak bersemangat, menyerah dan gusar. Fasa kedua adalah fasa meneruskan kehidupan. Fasa ini dapat dilihat setelah gerak sujud dan menyembah serta mencium tanah. Inilah yang dikatakan meneruskan kehidupan atau living with it (hidup bersama covid19). Pada pandangan saya, jika persembahan ini ada menggunakan suntingan time-laps, kita akan lebih menghayati rentetan peristiwa apabila ada perubahan cuaca dari senja ke malam untuk melihat kedua-dua fasa yang saya nyatakan diatas tadi. Walaubagaimanapun, mereka berdua sudah menyalakan kesunyian di musim pandemik ini dengan cara mereka. Tahniah!

Tuntasnya, usaha sebegini ini harus dipuji. Persembahan silang budaya ini pada saya amat penting diwaktu pandemik ini agar kita boleh melihat hasil pengkarya-pengkarya dari luar negara dan bertukar pandangan. Usaha Asia Duo Dance Company perlu diberi tumpuan dan galakan sewajarnya. Bukankah seni itu melakar sejarah atau merakam sejarah yang berlaku? Kita perlu terus berkarya dalam waktu-waktu pandemik ini walau apa jua caranya. Menyerah bererti kalah, setidaknya mereka menunjukan bahawa mereka melakukan sesuatu. Tidak ramai seniman atau pengkarya tari berkarya dimusim ini. Kebanyakan adalah hasil tugasan pelajar tahun akhir. Jika ada mungkin satu, dua? Apa sudah jadi seniman? Bangkit! Teruskan berkarya. Suara seniman itu harus didengar. Persembahan ini berbaki 1 hari lagi  iaitu esok, jam 8.30 malam. Info lanjut: +60 16-685 6688

 

“Nobody cares if you can’t dance well. Just get up and dance. Great dancers are great because of their passion.” -Martha Graham

Naque Ariffin,

Tanjung Malim, Perak.

 

Review: INTRIGUE, karya separuh-berani Pasca Malaysia Baharu

Nilai estetika dalam karya seni tari adalah hal yang sangat penting. Dari nilai estetika sebuah karya seni, seorang penonton dapat menikmati hal yang sukar dimengertikan dan memberikan sedikit petunjuk buat penikmatnya. Tari kontemporari termasuk dalam persembahan yang direka secara khusus untuk dinikmati nilai artistiknya. Estetika dalam karya seni tari tidak hanya dilihat dari gerak tari itu sendiri, tetapi boleh dilihat dari bermacam aspek seni yang lain sebagai unsur yang mengangkat konsep persembahan. Tari kontemporari di Malaysia sarat dengan isi kandungan dan juga turut mengangkat pemikiran koreografer. Sedikit atau banyak, pasti terpalit sedikit unsur peribadi dalam gerak yang dicipta.

Semalam saya berkesempatan menonton sebuah tari ‘Intrigue’ yang dipersembahkan oleh Fairul Zahid selaku koreografer dan penari, selain Azmi Zainal Abdden, Muhammad Fadly and penampilan khas, Dr Norzizi Zulkifli.

Saya sering menonton persembahan Fairul sebelum ini. Beliau antara koreografer yang bagi saya sering mengangkat isu-isu semasa dalam koreografi beliau seperti The King & I, AKTAB dan beberapa buah persembahan lagi. Dan seharusnya begitu. Seniman yang baik akan turun ke masyarakat dan merawat kebudayaan setempat. Itulah tugasnya. Akan tetapi, karya Intrigue kali ini seakan hilang arah, tidak masak dan banyak gerak tari yang diulang-ulang tanpa memberi penegasan tertentu. Saya akur, proses pembuatan karya tari sebenarnya tidak semudah membalikkan tapak tangan, ianya perlu pergolakan jiwa yang besar agar karya itu lebih hidup terutamanya karya kontemporari. Sebuah karya akan terasa lebih hidup jika ia berasal dari kejujuran yang dialami dan dirasai oleh pengkaryanya. Kemenangan hakiki bagi seorang pengkarya adalah apabila kita boleh membuat penonton ikut merasakan apa yang kita rasa dan apa yang kita tuangkan di dalam karya.

Fairul ada konsep yang besar namun pencernaan terhadap konsep itu kurang baik. Isu tipu muslihat, membunuh dan dibunuh dalam arena politik Malaysia tidak dikupas dengan jujur. Adakala Fairul seperti ingin melangkah tanpa mempedulikan birokrasi dan sebagainya, tetapi menarik langkah kebelakang semula. Takut barangkali? Bagi saya, jika anda sudah menggunakan suara (Tun M), perkataan, nama (Mazlee) dan isu (Pilihanraya) yang penonton tahu dan kenal orang itu berada di Malaysia, teruskan membongkar isinya. Anda bermain dengan isu politik, teruskan menjadi sebagai seorang redikal!

Berbalik kepada estetika, karya ini punya nilai estetika yang tersendiri. Tidaklah semuanya buruk tentang karya ini. Sebagai pendidik tari, saya yakin Fairul tidaklah semborono dalam melahirkan karya beliau. Dalam karya ini, Fairul menerapkan Teologikal dimana dia membezakan dua tahap pengetahuan iaitu satu berasaskan kepada penelitian fakta, dan satu lagi berasaskan pentafsiran fakta. Disini, seperti kata Socrates, fakta lebih cenderung kepada benda yang khusus manakala pentafsiran fakta lebih kepada idea yang bersifat umum dan universal. Fairul menggabungkan kedua-duanya dimana faktanya adalah Mazlee meletakan jawatannya sebagai Menteri, penafsiran fakta adalah gerak tari Fairul dengan meletakan surat-surat khabar di belakang badannya dan bergerak seperti bebanan yang berat dibahu. Segala gerak ini divisualkan dengan tenaga yang mantap, Fairul seperti masuk dalam dunia Mazlee, bekerja dan bekerja dan bekerja. Menaburkan bakti dan akhirnya apabila surat khabar itu di hempas, bererti dia akur dengan arahan pihak atasan. Dan jika dikaji lebih mendalam, kewujudan fungsi semantik juga telah terkesan dalam pertunjukan ini. Semantik adalah kaitan dari satu 'tanda' dengan ‘memaknakan’ sesuatu ‘tindakan’.

Disini juga Fairul menyelitkan pengetahuan beliau tentang performativity di dalam karya Intrigue ini. Performativity merupakan satu bentuk bahasa atau lebih tepatnya bahasa tindakan yang melengkapi eleman lainnya iaitu teks, imaj dan tubuh yang menjadi eleman utama dalam persembahan malam tadi.

Dalam bidang kajian persembahan, performativity mempunyai hubungan yang rapat dengan ideologi pascamoden. Merujuk kepada bentuk persembahan Intrigue, dari segi ‘teks’, Dr Norzizi Zulkifli tampil dengan vokal yang tidak pernah mengecewakan, membawa kita merasai sifat, keadaan dan situasi tekurung didalam penjara dangan tulisan-tulisan di batang besi penjara. Mungkin koreografer bergerak dari ayat ini “we are all clown”. Sifat dan sikap penari di atas pentas seakan bekerja atas arahan pemerintah yang berada dalam penjara. Ini menarik perhatian saya. Bagaimana orang yang diluar, mendengar arahan orang yang berada di dalam penjara. Macam pernah berlaku bukan? Hahaha… Fairul berani mengendalikan isu ini tetapi tidak begitu lantang. Seterusnya ‘imej’ yang dipaparkan melalui gerak bermain mentol lampu merupakan simbol harapan rakyat yang mahukan perubahan, imej gerak kerja berkempen dan selepas menang pilihan raya serta imej kerja-kerja yang tidak dihargai oleh orang atasan di pahat dalam setiap gerak tari Intrigue. Dan terakhir, adalah eleman ‘tubuh’ ini yang pada saya kurang masak. Koreografi Fairul tidak menggunakan kesemua fakta, dari segi teks dan imej yang disebutkan diatas tadi. Ianya ada, tetapi tidak menyeluruh.

Walaubagaimanapun, usaha berani ini harus dipuji. Tidak ramai seniman atau pengkarya tari sekarang ini berani memainkan isu seperti ini ketika perubahan kerajaan yang mungkin ‘murni’ bagi mereka. Teruskan usaha turun kepada masyarakat ini Fairul. Jangan gentar terhadap birokrasi kerana suara seniman itu harus didengar. Sebagai penutup, saya memetik dialog dalam filem White Night yang di inspirasikan dari buku The Great Russian Dancers:

“No metter what I try to do or explore, my expertise, and my background call me to return to dancing after all, because that’s my real vocation, and I have to serve it”

Naque Ariffin,

Kuala Lumpur.

20/1/2020

Simbol dalam Pementasan Teater Devised In/Out

Karya seni berkomunikasi dengan manusia melalui potensi pancaindera dan sejauh mana penonton memberi apresiasi terhadapnya. Melalui karya-karya yang dihasilkan, kita boleh mengenali bentuk pengalaman, pemikiran dan perasaan seseorang samaada pengarah, pelakon, penari mahupun koreografer. Mungkin ada benarnya kata-kata Claire Holt, “tunjukan bagaimana engkau menari,dan saya boleh tahu dari mana asalmu’.

Semalam, saya berkesempatan menonton sebuah Teater Devised In/Out yang dipersembahkan di Pentas 2, KLPac. Karya ini merupakan arahan Ho Lee Ching.

Saya berminat untuk membaca teater ini dari segi simbol yang ditonjolkan oleh pengarahnya. Seni memang tidak terlepas dari simbol. Dalam mamahami simbol persembahan ini, saya menggunakan pendekatan Suzzane K. Langer iaitu bagaimana simbol menghubungkan keseluruhan penceritaan.

(graf untuk memahami bagaimana struktur penceritaan yang berdasarkan simbol)

Simbol adalah kata-kata, atau gambar atau objek/benda. Simbol terbahagi kepada dua iaitu simbol pertuturan dan simbol persembahan. Kedua-dua simbol ini (dialog dan bunga) jelas ada dalam persembahan ini. Tetapi saya lebih tertarik kepada simbol “bunga” yang ada dalam pementasan ini dan merupakan ‘imej’ yang kuat sekali. Berbalik graf diatas, ‘reference’ adalah sesuatu fakta, pengalaman, denotasi yang bagi saya adalah merupakan pengalaman serta kajian yang dilalui ketika proses devised. Konsep pula adalah konotasi, idea, pikiran dan isu. Dan apresiasi saya adalah persembahan ini mengangkat konsep kesedaran terhadap perbezaan.

Di dalam buku Philosophy in a New Key, Suzzane K. Langer menyatakan bahawa sesuatu simbol tidak mewakili objek, tetapi ianya adalah perantara yang bertujuan mewakilkan objek untuk memahami konsep (menurut pemahaman saya setelah di alih bahasa). Sebagai contoh, dalam persembahan ini ada menggunakan bunga sebagai simbol, tetapi bunga itu bukanlah mewakili penceritaan sebenar persembahan ini. Konsep persembahan ini berkisar tentang kesedaran terhadap sesuatu yang berbeza. Berbalik soal bunga tadi, bunga telah menjadi perantara diantara ensamble-ensamble yang berbaju coklat dan seorang gadis berbaju putih. Hanya dengan menggunakan bunga, gadis berbaju putih dalam persembahan ini dapat diterima oleh ensamble yang berbaju coklet.

Sebenarnya, setelah tamat persembahan ini, barulah saya tahu sebenarnya ia berkait tentang kesedaran dan penerimaan terhadap perbezaan (golongan autism) kerana adanya sesi pembentangan dan soal jawab bersama ahli profesional dari Oasis Place. Ya, sekurang-kurangnya saya dapat lebih awal tentang intipati yang ingin disampaikan dalam karya ini iaitu meraikan berbezaan.

Gerak ensamble dalam bersembahan ini bersifat improvisasi dan dekonstruktif dengan memberikan peluang kepada penonton membuat pelbagai tafsiran. Penggunaan muzik yang kedengaran bercanggah dengan gerak di atas panggung sagat menarik perhatian saya. Inilah yang disebut sebagai conflicting unity atau kesatuan yang bercanggah namun memberikan kesan autentik dalam persembahan ini. Sebenarnya persembahan ini bagi saya telah mencapai estetika paradoks. Hal ini kerana, pengarah telah berjaya mempotraykan:- bagaimana seorang pengidap autis memandang seseorang manusia normal dan sebaliknya. Dalam persembahan ini, gadis berbaju putih tadi adalah seorang autis, dan ensamble berbaju coklat adalah mewakili golongan manusia normal. Tetapi, dari segi gerak dan perlakuan diatas pentas seolah-olah mempotraykan bahawa golongan ensamble seperti pengidap autism. Inilah yang mungkin cuba diangkat dalam persembahan ini berdasarkan kalimat:

“and in the sameness that I’ve always needed, I realised I was different.”

Ho Lee Ching telah berjaya merangkai adegan-adegan serta situasi komedi yang sangat minima tetapi telah menimbulkan kesan katarsis di akhir petunjukan. Beliau dalam tidak sedar telah memberi paparan realiti dalam bentuk imaginasi, dan memupuk atau melatih penonton supaya berfikir tanpa perlu disuap secara bulat-bulat dibalik gelak tawa. 
Tahniah buat seluruh ahli produksi.

Naque Ariffin,

KLIA, 

25 JAN 2019 

Sedang dalam proses penyucian. will be back soon!

Salam.
Disini saya nyatakan bahawa blog ini akan ditutup sementara atas sebab-sebab tertentu.


Jakarta,
12 April 2018.

Teater Matte Love: Perangkap, Terperangkap dan Memerangkap.

Menurut pengamatan saya beberapa bulan terakhir ini, sebenarnya ramai peminat-peminat kesenian kreatif tumbuh di Kuala Lumpur/Lembah Klang. Akan tetapi satu hal yang kita lihat bahawa kenyataan perkembangan kehidupan dunia teater ini tidak secepat seperti apa yang kita harapkan. Masih banyak panggung pementasan yang tidak penuh dengan kehadiran penonton. Kehidupan kelompok-kelompok teater di Kuala Limpur/Lembah Klang pula dari dahulu bagaikan sampan di tengah gelombang:- sebentar muncul, sebentar tenggelam atau bagaikan pelita di tengah padang:- sebentar redup, sebentar terang kembali. Tetapi aneh bahawa ia tidak pernah tenggelam sama sekali atau mati.

Foote Samuel boleh dikira sebagai individu atau tokoh awal yang menggerakan persembahan monolog:- ‘The Diversion Of The Morning’ dan terkenal selepas menulis buku ‘The Rehearsal’. Di Malaysia pula, tidak banyak catatan atau naskah monolog yang berdiri sendiri dan yang diangkat untuk perkembangan teaterikal ini. Yang ada kebanyakannya adalah naskah-naskah monodrama. Universiti Sain Malaysia (USM) pernah mencatat rekod Malaysia dengan mementaskan Teater Monolog terpanjang dengan durasi selama enam jam dilakonkan oleh Azhar Abd. Jalil pada tahun 2010. Khalid Salleh juga pernah mementaskan Teater Monolog Jual Ubat di lapan stesen kereta api di Malaysia. Pada mulanya, monolog hanya berdiri di dalam sebuah adegan yang ada dalam drama pentas:- dialog yang panjang. Monolog lebih kepada kata-kata yang dilontarkan oleh seorang pelakon yang mungkin ditujukan kepada orang lain. Kata-kata ini lahir dari hati dan diceritakan kepada penonton. Kepanjangan monolog bergantung kepada situasi dan ia bersifat tidak lengkap. 

Beberapa hari lalu saya sempat menonton sebuah pertunjukan seni. Pesta Monolog. Ya! Gabungan dari satu monolog ke monolong yang lain. Sekitar 6 orang pelakon dan 6 orang pengarah menjayakan pertunjukan ini. Yang menarik perhatian saya adalah: ini adalah naskah monolog, tidak ada interaksi sesama pelakon lain tetapi ada jalinan yang dikaitkan oleh penulis sehingga ia menjadi satu cerita yang penuh dan menarik. 

Matte Love merupakan naskah terbaru Khairuznazwan Rodzy. Matte Love diterjemahkan oleh saya sendiri sebagai “cinta yang pelbagai warna” memandangkan didalam kamus urban telah meletakan perkataan “matte” ini sebagai ‘warna’ kepada tatarias. Hal ini bukanlah teatang terjemahan yang secara terus atau harfiah. Ianya berkaiatan dengan kisah cerita yang ada pada setiap watak dalam naskah ini. Matte Love benar-benar bercerita mengenai cinta pelbagai warna dan permasalahan dalam cinta. Jika anda membaca atau menonton naskah-naskah tulisan Khairunazwan Rodzy, beliau bukanlah asing dalam isu ini. Pelbagai naskah cinta telah dihasilkan dan kesemua kisah cinta yang berlainan seperti Perempuan-Perempuan Seorang Wali, Pokok Kelapa Sayang, Senapas, Ratna Kadhal dll. Matte Love dipentaskan dibawah program Projek Bilik Sempit pada 29 March sehingga 1 April 2018, di Revolution Stage. 

Sebenarnya tidak banyak yang boleh dikupas dalam persembahan ini. Ianya sebuah persembahan yang kemas. Bermain di peringkat selamat. Tidak cuba untuk memandai-mandai dan tidak pula berlebihan atau berkurangan. Memandangkan semua ahli produksi terlibat dibawah kelas lakonan dan pengarahan yang dikelolakan oleh Revolution Stage, saya kira mereka mendapat pendedahan yang khusus dalam dunia kesenian, teater terutamanya. Cuma terdapat beberapa komentar jujur yang perlu saya huraikan terhadap persembahan ini melalui tontonan saya minggu kelmarin. 

Pengarahan dan Lakonan.

Pentas disajikan dengan set dan prop yang begitu minimalis. Terdapat kerusi dan bongkah kayu tetapi ianya tidak dimanfaatkan secara efektif dan total oleh pengarah. Pengarah juga kurang memaparkan aksi-aksi pentas yang memberikan siginifikasi terhadap aksi dramatik. 

Lakonan monolog amat mengutamakan watak utama monolog tersebut untuk menggerakkan cerita. Pelakon banyak dibantu oleh elemen artistik seperti lighting, audio, setting dan props memandangkan tiada rakan lakon. Kita sering dengar dengan kalimat ‘play with your costum’, ‘feel the lighting’ dan lain-lain. Sebenarnya inilah yang membantu imaginasi pelakon untuk membantunya menterjemahkan watak yang dimainkan. Dalam pementasan ini, aspek-aspek yang saya sebutkan diatas kurang diterapkan dalam pengarahan. Jika ada, hanyalah dalam 2 pengarahan dari 5 pengarahan itu. Oh ya, kami di beritahu pada malam pementasan (1 April), seorang pengarah dan seorang pelakon tidak dapat beraksi kerana ada masalah yang tidak boleh dielakan, tetapi hal itu tidak mengganggu penceritaan dan persembahan. Jadi pementasan ini dipentaskan dengan 5 pelakon dan 5 pengarah sahaja.

Kemampuan barisan pelakon untuk menjaga tempo permainan, kesedaran terhadap prop memuaskan sebenarnya. Kita melihat par lakonan masing-masing dalam graf yang sama. Tidak ada yang terlalu baik dan tidak pula gagal. Tetapi untuk pengarahan, terdapat beberapa perbezaan. Pelakon biasanya mempunyai teknik dan pendekatan tersendiri untuk mejayakan sesuatu watak. Namun pelakon juga terpaksa akur akan kehendak pengarah bagi mencorakkan watak tersebut. Dari persembahan pertama hingga ke empat, pengarah menggunakan apa yang melekat di tubuh pelakon sebagai props atau alat bantu. Tetapi tidak untuk arahan yang ke -5. Pelakon yang kelima masuk ke pentas dengan bantuan props yang lain. Samaada pengarah tidak percaya pada kemampuan imaginasi pelakon, atau pelakon tidak mampu meyakinkan pengarah dengan lakonannya sehingga menggunakan props bantuan yang lain. Harus di ingat, ini adalah sebuah kerja kolaborasi untuk menjadikan ianya satu persembahan. Saya kira jika ianya berjalan dalan satu konsep, sudah tentu persembahan ini menjadi sangat konseptual.Samaada pengarah yang ke-5 ini terlalu kreatif atau pengarah yang lain tidak memikirkan hal itu. Apapun kembali kepada yang saya katakana diatas, kerja kolaborasi adalah satu kesatuan. 

Tidak cukup hanya naskah yang bagus, pembawakan pelakon seperti gesture, cara watak bercakap, dan detail-detail lain juga harus diperhatikan agar apa yang ingin disampaikan oleh naskah itu sampai kepada sasaran. Pelakon yang bermain dalam naskah ini boleh dikatakan amatur tetapi mempunyai potensi yang besar dalam bidang lakonan. Tidak dinafikan, ada diantara mereka yang ada masalah pada penyebutan, fokus, pernafasan dan sebagainya. Tetapi untuk berada di tahap kelmarin, saya fikir mereka sudah cukup berani memandangkan ianya sebuah naskah monolog yang memerlukan semua eleman yang saya sebutkan diatas.

Hal ini kerana, dari poster juga ianya sudah memberi gambaran sangkar. Saya rasa ianya adalah sebagai perlambangan perangkap/terperangkap. Beralih ke ruang pementasan pula, setnya juga dalam sebuah kotak yang punya halangan seolah-olah perangkap. Setiap watakyang ada dalam naskah ini, mereka sebenarnya telah terperangkap. Adik perempuan yang terperangkap dalam imaginasi dan angan-angan, seorang kakak yang terperangkap dalam dunia glamor, abang yang terperangkap dalam kehendak sosial, adik lelaki yang terperangkap dalam Hypersexuality Disorder, dan seorang kawan lelaki yang terperangkap dalam nafsu sonsang. Saya lanjutkan lagi, kita dapat melihat bagaimana media sosial sebenarnya adalah perangkap bagi watak (akak) yang terlalu khusyuk hingga (abang) terperangkap kerana terkenalnya watak si akak itu di media sosial dan bagaimana watak (kawan)  memerangkap abang yang sedang bermasalah dan perlukan bantuan tetapi punya agenda yang lain. Jika semua pengarah dan pelakon sedar dan faham hal ini, mungkin mereka mampu menolak kreativiti masing-masing dalam membaca sub-teks dan hal-hal yang lain dalam naskah yang punya plot yang begitu kompleks ini untuk menjadikan persembahan malam itu mampu diingati. 

Form atau pementasan seperti ini akan diadakan lagi dengan naskah yang berbeza iaitu “Silent Killer” juga tulisan Khairunazwan Rodzy pada 4-8 April 2018 di Revolution Stage. Kita lihat apa pula tawaran yang diberikan oleh beliau dalam naskah terbaru ini. Tahniah Revolution Stage kerana masih dan terus mewarnai industri teater tanah air.