Teater Matte Love: Perangkap, Terperangkap dan Memerangkap.

Menurut pengamatan saya beberapa bulan terakhir ini, sebenarnya ramai peminat-peminat kesenian kreatif tumbuh di Kuala Lumpur/Lembah Klang. Akan tetapi satu hal yang kita lihat bahawa kenyataan perkembangan kehidupan dunia teater ini tidak secepat seperti apa yang kita harapkan. Masih banyak panggung pementasan yang tidak penuh dengan kehadiran penonton. Kehidupan kelompok-kelompok teater di Kuala Limpur/Lembah Klang pula dari dahulu bagaikan sampan di tengah gelombang:- sebentar muncul, sebentar tenggelam atau bagaikan pelita di tengah padang:- sebentar redup, sebentar terang kembali. Tetapi aneh bahawa ia tidak pernah tenggelam sama sekali atau mati.

Foote Samuel boleh dikira sebagai individu atau tokoh awal yang menggerakan persembahan monolog:- ‘The Diversion Of The Morning’ dan terkenal selepas menulis buku ‘The Rehearsal’. Di Malaysia pula, tidak banyak catatan atau naskah monolog yang berdiri sendiri dan yang diangkat untuk perkembangan teaterikal ini. Yang ada kebanyakannya adalah naskah-naskah monodrama. Universiti Sain Malaysia (USM) pernah mencatat rekod Malaysia dengan mementaskan Teater Monolog terpanjang dengan durasi selama enam jam dilakonkan oleh Azhar Abd. Jalil pada tahun 2010. Khalid Salleh juga pernah mementaskan Teater Monolog Jual Ubat di lapan stesen kereta api di Malaysia. Pada mulanya, monolog hanya berdiri di dalam sebuah adegan yang ada dalam drama pentas:- dialog yang panjang. Monolog lebih kepada kata-kata yang dilontarkan oleh seorang pelakon yang mungkin ditujukan kepada orang lain. Kata-kata ini lahir dari hati dan diceritakan kepada penonton. Kepanjangan monolog bergantung kepada situasi dan ia bersifat tidak lengkap. 

Beberapa hari lalu saya sempat menonton sebuah pertunjukan seni. Pesta Monolog. Ya! Gabungan dari satu monolog ke monolong yang lain. Sekitar 6 orang pelakon dan 6 orang pengarah menjayakan pertunjukan ini. Yang menarik perhatian saya adalah: ini adalah naskah monolog, tidak ada interaksi sesama pelakon lain tetapi ada jalinan yang dikaitkan oleh penulis sehingga ia menjadi satu cerita yang penuh dan menarik. 

Matte Love merupakan naskah terbaru Khairuznazwan Rodzy. Matte Love diterjemahkan oleh saya sendiri sebagai “cinta yang pelbagai warna” memandangkan didalam kamus urban telah meletakan perkataan “matte” ini sebagai ‘warna’ kepada tatarias. Hal ini bukanlah teatang terjemahan yang secara terus atau harfiah. Ianya berkaiatan dengan kisah cerita yang ada pada setiap watak dalam naskah ini. Matte Love benar-benar bercerita mengenai cinta pelbagai warna dan permasalahan dalam cinta. Jika anda membaca atau menonton naskah-naskah tulisan Khairunazwan Rodzy, beliau bukanlah asing dalam isu ini. Pelbagai naskah cinta telah dihasilkan dan kesemua kisah cinta yang berlainan seperti Perempuan-Perempuan Seorang Wali, Pokok Kelapa Sayang, Senapas, Ratna Kadhal dll. Matte Love dipentaskan dibawah program Projek Bilik Sempit pada 29 March sehingga 1 April 2018, di Revolution Stage. 

Sebenarnya tidak banyak yang boleh dikupas dalam persembahan ini. Ianya sebuah persembahan yang kemas. Bermain di peringkat selamat. Tidak cuba untuk memandai-mandai dan tidak pula berlebihan atau berkurangan. Memandangkan semua ahli produksi terlibat dibawah kelas lakonan dan pengarahan yang dikelolakan oleh Revolution Stage, saya kira mereka mendapat pendedahan yang khusus dalam dunia kesenian, teater terutamanya. Cuma terdapat beberapa komentar jujur yang perlu saya huraikan terhadap persembahan ini melalui tontonan saya minggu kelmarin. 

Pengarahan dan Lakonan.

Pentas disajikan dengan set dan prop yang begitu minimalis. Terdapat kerusi dan bongkah kayu tetapi ianya tidak dimanfaatkan secara efektif dan total oleh pengarah. Pengarah juga kurang memaparkan aksi-aksi pentas yang memberikan siginifikasi terhadap aksi dramatik. 

Lakonan monolog amat mengutamakan watak utama monolog tersebut untuk menggerakkan cerita. Pelakon banyak dibantu oleh elemen artistik seperti lighting, audio, setting dan props memandangkan tiada rakan lakon. Kita sering dengar dengan kalimat ‘play with your costum’, ‘feel the lighting’ dan lain-lain. Sebenarnya inilah yang membantu imaginasi pelakon untuk membantunya menterjemahkan watak yang dimainkan. Dalam pementasan ini, aspek-aspek yang saya sebutkan diatas kurang diterapkan dalam pengarahan. Jika ada, hanyalah dalam 2 pengarahan dari 5 pengarahan itu. Oh ya, kami di beritahu pada malam pementasan (1 April), seorang pengarah dan seorang pelakon tidak dapat beraksi kerana ada masalah yang tidak boleh dielakan, tetapi hal itu tidak mengganggu penceritaan dan persembahan. Jadi pementasan ini dipentaskan dengan 5 pelakon dan 5 pengarah sahaja.

Kemampuan barisan pelakon untuk menjaga tempo permainan, kesedaran terhadap prop memuaskan sebenarnya. Kita melihat par lakonan masing-masing dalam graf yang sama. Tidak ada yang terlalu baik dan tidak pula gagal. Tetapi untuk pengarahan, terdapat beberapa perbezaan. Pelakon biasanya mempunyai teknik dan pendekatan tersendiri untuk mejayakan sesuatu watak. Namun pelakon juga terpaksa akur akan kehendak pengarah bagi mencorakkan watak tersebut. Dari persembahan pertama hingga ke empat, pengarah menggunakan apa yang melekat di tubuh pelakon sebagai props atau alat bantu. Tetapi tidak untuk arahan yang ke -5. Pelakon yang kelima masuk ke pentas dengan bantuan props yang lain. Samaada pengarah tidak percaya pada kemampuan imaginasi pelakon, atau pelakon tidak mampu meyakinkan pengarah dengan lakonannya sehingga menggunakan props bantuan yang lain. Harus di ingat, ini adalah sebuah kerja kolaborasi untuk menjadikan ianya satu persembahan. Saya kira jika ianya berjalan dalan satu konsep, sudah tentu persembahan ini menjadi sangat konseptual.Samaada pengarah yang ke-5 ini terlalu kreatif atau pengarah yang lain tidak memikirkan hal itu. Apapun kembali kepada yang saya katakana diatas, kerja kolaborasi adalah satu kesatuan. 

Tidak cukup hanya naskah yang bagus, pembawakan pelakon seperti gesture, cara watak bercakap, dan detail-detail lain juga harus diperhatikan agar apa yang ingin disampaikan oleh naskah itu sampai kepada sasaran. Pelakon yang bermain dalam naskah ini boleh dikatakan amatur tetapi mempunyai potensi yang besar dalam bidang lakonan. Tidak dinafikan, ada diantara mereka yang ada masalah pada penyebutan, fokus, pernafasan dan sebagainya. Tetapi untuk berada di tahap kelmarin, saya fikir mereka sudah cukup berani memandangkan ianya sebuah naskah monolog yang memerlukan semua eleman yang saya sebutkan diatas.

Hal ini kerana, dari poster juga ianya sudah memberi gambaran sangkar. Saya rasa ianya adalah sebagai perlambangan perangkap/terperangkap. Beralih ke ruang pementasan pula, setnya juga dalam sebuah kotak yang punya halangan seolah-olah perangkap. Setiap watakyang ada dalam naskah ini, mereka sebenarnya telah terperangkap. Adik perempuan yang terperangkap dalam imaginasi dan angan-angan, seorang kakak yang terperangkap dalam dunia glamor, abang yang terperangkap dalam kehendak sosial, adik lelaki yang terperangkap dalam Hypersexuality Disorder, dan seorang kawan lelaki yang terperangkap dalam nafsu sonsang. Saya lanjutkan lagi, kita dapat melihat bagaimana media sosial sebenarnya adalah perangkap bagi watak (akak) yang terlalu khusyuk hingga (abang) terperangkap kerana terkenalnya watak si akak itu di media sosial dan bagaimana watak (kawan)  memerangkap abang yang sedang bermasalah dan perlukan bantuan tetapi punya agenda yang lain. Jika semua pengarah dan pelakon sedar dan faham hal ini, mungkin mereka mampu menolak kreativiti masing-masing dalam membaca sub-teks dan hal-hal yang lain dalam naskah yang punya plot yang begitu kompleks ini untuk menjadikan persembahan malam itu mampu diingati. 

Form atau pementasan seperti ini akan diadakan lagi dengan naskah yang berbeza iaitu “Silent Killer” juga tulisan Khairunazwan Rodzy pada 4-8 April 2018 di Revolution Stage. Kita lihat apa pula tawaran yang diberikan oleh beliau dalam naskah terbaru ini. Tahniah Revolution Stage kerana masih dan terus mewarnai industri teater tanah air. 

Teater Normcore: Sebuah Percubaan...?

Teater Normcore hadir dengan dua naskah baru: Tiada Cinta Selama Muda dan Matinya Seorang Birokrat. Tidak saya pungkiri bahawa kedua-dua naskhah yang di pentaskan di RAW Art Space, 8.30mlm tadi agak baik. Gaya tulisan yang sangat analatikal, pendekatan gaya bahasa yang direct, tepat dan witty. Jarang kita dihidangkn dengan naskah-naskah yang punya cerita dan penyampaian yang begitu sebati/realistik di era ini. Mungkin ini adalah forte Ridhwan Saidi memandangkan beliau seorang penulis, tetapi tidak sebagai seorang pengarah pada pandangan saya.

Pengarah adalah pemimpin para pemimpi. Pemimpi di sini adalah pelakon itu sendiri. Dalam kedua naskhah ini, pemain tidak mampu menggapai mimpi-mimpi Ridhwan di dalam tulisannya. Masalah terbesar dalam pementasan ini adalah susun atur (blocking), eksplorasi ruang dan arahan pentas (pengarahan). Stanislavski pernah bilang, tidak ada apa pun, atau seorang pun yang boleh mencipta seorang pengarah, kerana pengarah itu “dilahirkan”. Saya di fahamkan ini merupakan pengarahan pertama beliau dalam mengarah/mementaskan teater dan beliau mengarahkan naskhah tulisan sendiri. Ianya sebuah permulaan yang harus! Kerana ianya sebuah percubaan yang...?

Sebenarnya mudah bila seseorang pengarah mementaskan naskhah sendiri kerana beliau dapat membaca pemikiran penulis, dalam kes ini diri beliau sendiri. Tidak keterlaluan saya katakan Ridhwan Saidi adalah seorang pengarah yang “dihasilkan”. Pengarah yang dihasilkan di sini adalah mereka yang sekadar memiliki bakat menulis, dan menampilkan dirinya sebagai pengarah kolektif, umum dan membawa pemikiran sendiri dan dipilih komiti menurut Stanislavski. Pengarah yang dihasilkan tidak mampu mencipta sejumlah pemain (pelakon) dan sekaligus menyatukan naskhah dan pementasan mengikut pemikiran si pengarah. Yang dilakukan hanyalah mengadakan sebuah pertunjukan. Itu sahaja. Sama seperti Rohaya Atan, naskhah-naskhah penulisan beliau seperti Pelayaran Nur Athma merupakan naskhah yang membawa halwa feminis yang baik. Tetapi ketika beliau mementaskan naskhah tulisannya, hilang dan kabur semua pemikiran naskhah itu. Mungkin sebab itu beliau fokus kepada kerja-kerja penerbitan teater. 

Hal ini terlalu berbeza dengan terma pengarah yang ‘’dilahirkan”. Contoh yang mudah adalah Grotowski dengan teater miskinnya, Boal dengan teater tertindasnya atau Antonin Artaud dengan teater kejamnya. Ini tidak perlu di bahas lagi. Jelas dan nyata. Di Malaysia, kita melihat bagaimana Nam Ron dilahirkan dalam gelombang teater eksperimen melalui karya Tanda dan Arifwaran dengan teater fizikal Meta-M. Kita melihat bagaimana dua pengarah ini tidak sekadar mementaskan naskhah, tetapi mencipta sejumlah pemain (pelakon) dan dengan sendirinya naskhah dan pementasan akan mengikutnya. Bagi saya, tiada apa yg ditawarkan dalam pementasan ini selain naskhah yang baru dan agak bermutu. 

Untuk karya pertama, saya merasakan seperti berada diruang ‘reading play’. Sekadar membaca dialog. Pada awalnya kelihatan seperti aktor memegang konsep stillness dalam lakonan. Tetapi tidak konsisten. Mungkin beliau memegang konsep minimalis, tetapi kehilangan kesan teaterikal. Tidak banyak yang boleh dibincangkan dalam pementasan pertama.

Untuk karya kedua, saya lebih memandang kepada imej. Berbicara tentang imej, imej yang dipilih Ridwan tidak memberi peluang kepada penonton untuk berfikir apabila semua aksi divisualkan. Pemilihan imej tidak boleh lari dari kewujudan semeotik dan semantik. Untuk lebih mendalam, aksi/imej ini saya cuba membaca kehadiran semantik. Kewujudan fungsi semantik hadir, tetapi tidak berkesan sepenuhnya dalam pertunjukan ini. Semantik adalah kaitan dari satu 'tanda' dengan ‘memaknakan’ sesuatu ‘tindakan’. 

Contoh dalam pementasan ini adalah bilamana wujudnya ‘bunga’ (imej) tetapi tidak memberikan ‘makna’. Bila pelakon mengalihkan bunga itu ke tepi pentas, ianya tidak memberikan makna pada sesuatu ‘tindakan.’ Alangkah baiknya jika imej itu dipaparkan seperti: pelakon membawa bunga ke tepi mayat tadi dan keluar pentas tanpa melakon kan aksi dibunuh. Untuk babak pembunuhan, jika sekadar suara halus yang terkeluar dari belakang tirai lebih meninggalkan kesan dari pancutan warna merah ke tirai. Bagi saya imej atau aksi ini lebih berkesan. Saya sudah boleh mengagak pelakon yang itu akan mati dari awal cerita lagi memandangkan kostum recycle putihnya sudah ada kesan darah dari awal cerita. Inilah yang dikatakan kekuatan imej yang membawa kesan dan memberi penonton berfikir. Memandangkan pertunjukan ini begitu minimalis, saya kira kaedah sebegitu lebih sesuai. Imej tidak sekadar dipotraykan sahaja di atas pentas tetapi harus memaknai sesuatu tindakan. Aksi pelakon di tampar juga boleh dikira sebagai imej. Imej yang meninggalkan kesan pada memori (memory images). Imej bukan sekadar prop dan pencahayaan sahaja. 

Sebenarnya, corak permainan double bill ini bukanlah sesuatu yang baru. Isu yang diangkat pun biasa. Tahun 2010-2013 konsep sebegini setiap minggu dipentaskan di Stor Teater DBP. Kita melihat bagaimana kelompok teater di Kuala Lumpur tumbuh seperti cendawan selepas hujan. Kirin Mohamad dan Amar Asyraf adalah orang yang begitu tegar mementaskan isu-isu dan corak permainan seperti malam ini. Jika bercakap tentang sistem feudalisme. Fasyali Fadzly pernah hadir dengan karya Juta-Juta di Stor DBP. Mungkin ianya baru bagi mereka yang baru berjinak meminati dunia teater, tetapi saya menjangkakan lebih dari itu kerana nama Ridhwan ini begitu kuat limelight lewat media eletronik dan media sosial ketika saya berada di Jakarta tahun lalu. Baru hari ini saya sempat menonton karya beliau. Ternyata saya yang normcore (peka terhadap benda yang biasa). 

Seterusnya, lakonan malam ini tidak meyakinkan. Harus diingat, 80% kejayaan seorang pengarah terjamin sekiranya pemilihan aktor yang tepat. Mungkin saya yang terlepas pandang, tetapi barisan para pelakon dalam teater arahan beliau terlalu diatur. Tidak memegang kepada rasa. Lakonan yang sangat rigid. Terikat. Sebab itu saya menanyakan soalan, sejauh mana beliau mengawal pelakon dalam konteks sebagai seorang pengarah? Ini kerana ada diantara pelakon beliau saya pernah tonton permainan mereka dan agak memuaskan. Tetapi tidak dalam karya ini.

Ketika menonton, saya terfikir tentang Brecht. Epic theatre. Tentang bagaimana lakonan itu tidak perlu ada “the 4 walls”. Beliau suka terhadap the chinese opera. Bagaimana pelakon lepak di tepi panggung dan bila giliran pelakon bangun dan masuk ruangan lakon. Transisi dari duduk minum teh dan merokok di tepi panggung dan masuk ke ruangan lakon. Mungkin ini yang ingin di sampikan oleh Ridhwan bila memilih tirai yang transparent. Ini ada dalam bentuk persembahan beliau. Membenarkan pelakon dilihat walau berada diluar ruang lakon. Mungkin Ridhwan boleh mengaplikasi teknik sebegitu terhadap pelakonnya dari meminta pelakonnya ‘berlakon’. 

Pelakon ini boleh dikatakan seperti sepotong tanah liat, sepatutnya harus merasa dan mengikut tekanan jari pengarahnya ketika mengukir sebiji labu sayung. Bagi pengarah pula, tidak semua tanah liat sesuai untuk di buat labu sayung. Kira-kira begitulah analoginya. Ini bukanlah sebuah pementasan penilaian pelajar. Ianya sudah melangkah ke alam profesional. Saya kira Ridhwan selaku pengarah perlu memikirkan juga tentang pemilihan barisan pelakon sekiranya ingin mementaskan lagi teater. Dan saya masih ingin membaca naskah tulisan beliau kerana senang dengan penyampaian yang begini. 

Konklusinya, saya memutuskan untuk kembali kepada poster, iaitu teater ‘normcore’. Mungkin Ridhwan melanggar semua terma yang saya sebutkan diatas, mengakibatkan pementasan ini anti-genre. Jika ini benar, beliau telah berjaya mementaskan teater yang anti-genre. Usaha berterusan Ridhwan ini harus dipandang serius dan dipuji. Beliau secara konsisten menyemarakan lagi pementasan di Kuala Lumpur khususnya dan Malaysia am-nya melalui Teater Modular 1&2 dan Teater Normcore. Kita memerlukan penggiat-penggiat seperti ini untuk terus meraikan industri teater di Malaysia. 

Tahniah kepada seluruh ahli produksi.

Naque Ariffin,

Restoran Pelita Bangsar (2.30 am),

12 Februari 2018.

Nota Kaki Untuk Filem Tombiruo: Penunggu Rimba.

(Ini bukanlah sebuah review ilmiah untuk sbuah filem besar seperti Tombiruo. Ianya hanyalah seperti penulisan nota kaki, santai, tetapi penting.)

Sebelum penulisan ini pergi secara terperinci mengenai filem Tombiruo: Penunggu Rimba, saya ingin memberi sedikit penjelasan mengenai sebuah filem adaptasi dari novel. Biarlah tulisan ini nanti membuka minda dan memberi sedikit gambaran bahwa melakukan kerja-kerja adaptasi dari novel ke filem bukanlah sesuatu yang mudah. Memandangkan pengkarya filem dan penonton hari ini terlalu ghairah membuat dan menonton hasil kerja adaptasi dari novel ke filem, saya ada sedikit pencerahan apabila penonton mengatakan bahwa “tidak sama seperti yang terdapat dalam sebuah novel.”

Hal ini amat mustahak untuk mendidik penonton dan pembaca novel, malah mungkin buat pengarah filem yang ingin membuat proses adaptasi dari novel ke filem. Saya anggap pencerahan ini satu fardhu kifayah buat saya. hahaha. Saya teruskan.

Filem adalah sejenis seni yang masih muda jika dibandingkan dengan sastera. Filem tidak boleh diukur dan dinilai seperti apa yang diterapkan di dalam novel atau satera. Inilah perkara awal dari kekeliruan penilaian terhadap filem. Berbeza dengan novel, filem tidak boleh hanya dinilai dari analisa formal seperti pelakon, latar dan plot tetapi harus dipertimbangkan berdasarkan ciri-cirinya sebagai gambar yang bergerak,bukan seperti rangkaian huruf di dalam novel. Huruf-huruf atau perkataan yang ada di dalam novel akan menyarankan gambar-gambar tertentu yang hanya ada dalam fikiran kita, sedangkan gambar bergerak yang ada di layar menyarankan ‘pemikiran’ yang ada dibalik gambar itu. Disini lah letaknya perbezaan yang dalam antara sastera dan filem. Disini jelaslah setelah novel menjadi filem, kedua jenis seni ini bertentangan. Saya harap sesudah ini tidak ada lagi pengkarya menjawab soalan penontonbahawa ‘jika dibuat satu novel tidak cukup masa”, “kami memilih babak-babak yang penting” dan sebagainya. Sesudah melalui proses alih wahana, saya tegaskan disini sekali lagi kedua-dua kesenian ini adalah berbeza. Apabila dipindahkan ke medium filem, pengarah mempunyai ‘artistic license’ untuk mencorak kayra yang sudah di adaptasi.

-----------------------------------------------------

Sinopsis: 

“Filem ini mengisahkan tentang Tombiruo iaitu mahkluk yang dikatakan memiliki kesaktian untuk menguasai hutan. Tombiruo adalah pemuda yang jiwanya memberontak, lelaki yang tidak berwajah manusia namun sekaligus seorang yang bertanggungjawab dan dibebani kesaktian yang tidak dapat dikawalnya sentiasa memakai topeng untuk menyembunyikan kemelut dan kesepian di kalbunya.”

Ada beberapa perkara yang mungkin dianggap kecil oleh produksi, tetapi besar bagi mata seorang pengkritik mahupun penonton. Saya akur bukanlah mudah untuk membuatkan sebuah filem, tambahan pula filem epik dan aksi seperti ini, tetapi ini bukanlah alasan untuk tidak pergi lebih terperinci memandangkan pihak produksi telah melabur dan memerah keringat untuk menjayakan filem ini. Sayang jika finishing dilakukam dengan kesalahan remeh atau tidak sepatutnya.

1) Latar

i. Tempat: 

Saya tidak percaya bahawa ianya berlaku di dalam sebuah hutan yang tebal, dan Tombiruo bukanlah Penunggu Rimba jika dilihat dari sudut latar cerita ini. Walaupun beberapa kali kelihatan ‘establish shot’ yang memaparkan Gunung Kinabalu, saya tetap mengatakan ianya seperti Hutan Simpan Bukit Nenas dek kerana atmosphere yang dipamerkan didalam filem ini.

ii. Masyarakat

Populasi masyarakat yang tinggal di Sabah melebihi 3 Juta orang, mempunyai 25 buah daerah, dan terdapat lebih daripada 20 etnik. Persoalan saya mengapa ketika babak di perkuburan, ianya tidak memaparkan sebuah pengkebumian? Harus diingat, seorang adik kehilangan abang, 2 orang anak kehilangan ayah, seorang suami kehilangan isteri, seorang isteri kehilangan suami. Mereka ini tidak punya kaum keluarga dan sahabat handai kah? Apa yang boleh saya rumuskan, masyarakat dalam drama Tanah Kubur lebih ramai berbanding latar sebuah negeri antara yang terbesar di Malaysia ini. Inilah yang dikatakan merosakkan unsur-unsur keindahan estetika (appearance, content, substance dan presentation).

Terdapat satu lagi masalah besar apabila kita bermain dengan nombor. Menurut dialog yang di lontarkan oleh Tan Sri Berham, terdapat 10 ribu orang yang harus dipindahkan jika projek empangan itu di laksanakan. Tetapi masyarakat yang hadir untuk merusuh, tidak melebihi 100 orang. Dan shot tidak membantu menegangkan situasi. Terlintas di fikiran saya bahwa pernah berlaku bantahan besar-besaran dan sekurang-kurangnya 500 orang warga Baram, Sarawak yang hadir ketika membantah pembinaan Empangan Baram dihadapan Tan Sri Adenan Satem 2015.

Sebentar! Ini sesuatu yang menarik! Terdapat satu kaitan yang boleh dijalinkan di dalam novel tulisan Ramlee Awang Murshid ini. Memandangkan beliau sendiri merupakan warga kepulauan Borneo, mungkin situasi dan keadaan sekeliling telah membawa kita menyelami permasalahan yang cuba di sembunyikan media massa kini dan isunya Masih relevan untuk masa kini walaupun novel asalnya sudah ditulis 20 tahun yang lalu.

Realiti dan Fiksi.

Empangan Baram : Realiti

Empangan di Keningau: Fiksi

Tan Sri Adenan Satem: Realiti

Tan Sri Berham: Fiksi

2) Kekemasan

Persoalan saya hanya satu. Bagaimana kumpulan tatarias mendefinasikan “lelaki yang tidak berwajah manusia” untuk watak Ejim? Terdapat banyak kebocoran dari aspek kamera ketika mengambil shot wajah Ejim ini. Walaupun bertopeng, saya masih boleh melihat Ejim mempunyai biji mata, kawasan bawah mata yang sempurna, dahi yang sempurna tanpa sebarang cela, dagu seperti manusia. Tidak mungkin pada bahagian tulang pipi terdapat Jin yang bertenggek memandangkan topeng yang dipakai Ejim sangat rata permukaannya. Atau mungkin ada pada bahagian bibirnya yang ada emas 24 karat yang penuh. Ini kerana lontaran suara Ejim dan penggunaan vocal atau sebutannya tidak jelas. Itu sahaja bahagian yang saya rasa logik jika dikatakan dia tidak berwajah manusia. Persoalan saya, apakah terjemahan “lelaki yang tidak berwajah manusia” itu bagi krew tatarias? Ejim adalah Penunggu Rimba dan mempunyai kuku jari yang licin? Apakah? Mengapa tidak dicalitkan sekurang-kurangnya ‘kryolan negro 2’ pada permukaan muka Ejim sebelum dipakaikan topeng. Inilah perincian yang saya sebut dan di atas tadi.

Pemilihan Novel Yang Tepat Untuk Diangkat Ke Layar Perak.

Sebenarnya, kita beruntung kerana berada di Asia. Jika dikaji secara mendalam, hanya Negara- Negara di lingkungan Asia sahaja yang mempunyai banyak tradisi serta citra nusantara yang masih dikaji oleh bijak pandai sehingga hari ini. Sebenarnya, kita tidak perlu untuk membuat cerita robot-robot yang beterbangan dan berdiri gagah di kota Kuala Lumpur kerana Amarika atau lebih tepatnya Hollywood tidak mempunyai budaya yang unik untuk di tampilkan dalam filem mereka. Oleh sebab itu mereka mencipta budaya. Memang benar kita amat ketinggalan jauh jika di bandingkan dengan mereka dari segi teknologi serta aspek pembikinan sesebuah filem, tapi dari aspek cerita, kita mampu menang dari mereka. Tahniah Tombiruo, sebuah citra nusantara tercurah didalam filem ini. Kisah penyatuan uri didalam satu bekas, kuasa alam semulajadi, perebutan harta, percaya kepada kuasa dukun dll adalah citra nusantara yang terdapat dalam filem ini. Walaupun kini kita muntah dengan adaptasi novel cinta ke layar perak dan kaca, ternyata Tombiruo adalah pemilihan yang berani. Syabas!

Permasalahan terbesar bagi saya adalah: untuk kes ini saya menyokong slogan ‘asia untuk asia’ yang digunakan Jepun semasa menjajah tanah melayu. Bagi saya, emosi cerita ini lebih mengalir lebih indah jika “rasa” itu dibawa oleh seorang pengarah dari nusantara. Harus di ingat, sebab buah di kenal pohonnya. Saya tidak menafikan hasil kerja pengarahan Seth Larney sebelum ini, tetapi apalah ertinya keindahan jika tidak dapat dirasai. Tombiruo sebuah filem yang indah. Ini tidak dinafikan. Tetapi penggunaan high speed shot yang berlebihan dan menjengkelkan, kesan khas CGI yang tidak kemas, tidak ada moment ketika babak-babak sedih dan yang paling terang, kemana plot Tombiruo ini ingin pergi? Pasal hutan atau mencari saudara kembar? Ini sedikit sebanyak memberi kesan yang mendalam terhadap filem ini.

Namun tidaklah semua aspek dalam filem ini teruk. Pujian harus diberikan pada pemilihan barisan pelakon-pelakon yang berada di papan ke dua ketika nama pelakon ditampilkan seperti Farah Ahmad, Faizal Hussin, Datin Marlia Musa malah pelakon pembantu ketika babak rusuhan di kampung yang melihat kejadian Tombiruo melibas parangnya pada Wong juga bermain amat baik.

Farah Ahmad menampilkan the beauty of imperfection dalam watak lakonannya. Cara beliau mempotraykan Monsiroi/Bobolian sangat kemas dan membuatkan penonton percaya dan saya tertanya-tanya, siapakah Penunggu hutan sebenar di dalam filem ini? Monsiroi atau Tombiruo? Ini kerana, semangat hutannya lebih jelas.

Faizal Hussin tidak perlu diuji. Saya pernah menonton seorang aktor melayu melakonkan watak pemuda tamil dalam sebuah teater. Walaupun beliau tidak mengerti atau perkataan itu lansung tidak wujud, beliau membuat penonton percaya. Begitu juga Faizal, saya tidak pasti loghat Sabah beliau kena atau tidak, tetapi lakonannya telah menutup kecatatan loghat beliau jika ada penonton dari Sabah mengatakan ianya tidak kena.

Datin Marlia Musa membawa peranan Bonda sungguh subtle dan tidak berlebihan walaupun beliau seorang terpangkat Puan Sri dalam filem ini. Kita sering dihidangkan dengan lakonan Datin, Puan Sri, Toh Puan yang berlebih-lebihan dalam filem dan tv, tetapi tidak dalam filem ini. Babak terakhir ketika beliau dan anak perempuannya akan membuatkan anda rindu terhadap ibu anda. Apakah ini petanda awal beliau akan kembali memeriahkan industri lakonan setelah Ranjau Sepanjang Jalan?

Tahniah Untuk semua Ahli Produksi Tombiruo. Ada nafas baru dalam industri perfileman Malaysia. 

Bintang: 4/5 

Naque Ariffin,

TTDI,

19 Oktober 2017.

Review: Jelmaan Robert Wilson dan Martha Graham Dalam LANGKAU 2017

Dalam jagat teater di Malaysia, istilah teater rupa (theatre of visuals) adalah sangat asing bagi penonton mahupun pembikin-pembikin teater era postmodern abad ini. Bukan sahaja asing, malah belum ada kesedaran untuk menjadikan ianya semacam gaya atau aliran teater yang wajib ditonton. 

Review kali ini akan lebih menjerumus terhadap konsep persembahan dan tidak pergi secara terperinci terhadap lakonan mahupun teknikal.

"LANGKAU- An evening contemporary performance" amat mendekati aliran teater yang dipopularkan oleh Robert Wilson yang sering hadir dengan "theatre of visuals" atau "theatre of image" sekitar awal 1970-an. 

Dalam bidang tari pula, awal-awal pembabitan Martha Graham lebih kepada gerak yang signifikan, dan bukan liuk lentok atau lemah gemulai. Martha cenderung dan sukakan gerak yang penuh dengan makna batin dan keghairahan yang mengejutkan dari segi emosi dan spiritual.

Dua gabungan tokoh kontemporari ini bagi saya mungkin telah memberi ilham terhadap proses pembikinan LANGKAU, memandangkan ianya sebuah karya kolaborasi antara pensyarah teater dan tari dari ASWARA.

LANGKAU 'hidup' di atas pentas 2, KLPac dengan gestur rupa tubuh yang dikoreografikan, gerak yang punya simbolik, tekstur suara/muzik yang di komposisikan dan lighting (pencahayaan) sebagai tata rupa paling penting dalam konsepsi teater visual dengan tujuan utama untuk menggapai puncak estetika bagi penonton. Selain itu, LANGKAU telah menyatukan drama non-naratif (membuang rangkaian plot linear) dengan aspek sinografi bilamana menghasilkan visual, suara, musik dan kesuyian dalam diri dengan berkomunikasi melalui bahasa tubuh.

Gerak yang dipamerkan dalam LANGKAU pada Ahad, jam 3.00ptg tadi telah menggenggam sebuah ritma dan strukturnya sendiri. Gerakan yang dipamerkan tidak mengikut teks (apa yang diucapkan) dan gerak yang dicipta telah memperkukuhkan lagi teks tanpa menjadi penghias bagi teks tersebut. Dalam kata mudah, gerak yang dicipta tidaklah sebagai gerak tari yang mengikut tempo muzik, sehingga menjadikan apa yang didengar dan apa yang dilihat adalah dua lapisan yang berbeza. Ketika dua eleman ini disatukan, maka inilah yang disebut kontemporari bagi pendapat saya.

Sebenarnya ini merupakan pengalaman kedua saya menonton LANGKAU. Ianya pernah dipentaskan tahun lalu di Blackbox, Aswara. Apa yang memanggil saya untuk menontonnya sekali lagi adalah 'An evening contemporary performance' yang dipamerkan di ruangan jemputan muka buku (facebook). Kontemporari merupakan cabang dari era Postmodernisme. Postmodernisme itu sendiri khususnya dalam dunia teater sangat bergantung kepada pemahaman serta persepsi individual kerana sehingga kini belum memiliki definisi yang pasti. Mungkin dalam persembahan LANGKAU, mereka telah menjauhi hal-hal yang tradisional dalam teater, baik dalam bentuk format mahupun presentasinya di atas panggung. Atau LANGKAU telah menentang estetika teater konvensional sehingga mengizinkan penafsiran yang pelbagai. Dalam hal LANGKAU, semiotik (lapisan-lapisan tanda dalam gerak dan video) bersifat dekonstruktif dengan memberikan peluang kepada penonton membuat pelbagai tafsiran. Jika benar maksud dan tujuan persembahan ini di pentaskan semula, maka LANGKAU telah berjaya mementaskan sebuah persembahan kontemporari yang begitu konseptual.

Cuma ada beberapa hal yang perlu dititik beratkan ketika mementaskan semula sebuah persembahan. Persembahan LANGKAU sebelum ini sudah kompleks menurut saya. Saya faham keghairahan untuk mencari penambah baikan pada show yang sebelum ini. Ada beberapa penambahan untuk persembahan kali ini, ianya seperti meleret sedikit dari yang sebelumnya ( ada energi dari segi vokal tetapi pacing agak perlahan). Saya teringat sebuah peristiwa di sebuah restoran mewah di Jepun pada awal 2015. Saya membawa sambal ikan bilis dari Malaysia. Saya ditegur kerana menurut pelayan restoran itu, makanan yang dihidangkan sudah cukup ramuannya. Saya fikir ini adalah salah satu alasan mengapa ada beberapa restoran melarang membawa makanan dari luar. Untuk mengekalkan rasa yang sudah cukup ramuannya. Bila menambah ramuan lain, mungkin ianya merubah sedikit rasa. Ini hanyalah sebuah analogi. Sama halnya dengan makanan, setiap orang mempunyai cita rasa yang tersendiri. Perbandingan akan sentiasa wujud. Inilah sebenarnya cabaran untuk mementaskan semula sesebuah persembahan yang sudah mencapai par yang tinggi. Tetapi ianya tidaklah merosak kan keseluruhan persembahan LANGKAU yang dipentaskan semula atas permintaan ramai ini. Syabas dan tahniah untuk semua ahli produksi. 

Naque Ariffin,

Parking lot KLPac / Bangsar South 

6 Ogos 2018.

Review: Setan Jawa- Filem Bisu Yang Menjerit

Sumber foto: https://twitter.com/setanjawamovie

Sinopsis.

Ceritanya mudah, iaitu tentang cinta antara dua darjat. Antara rakyat jelata dengan golongan atasan/bangsawan atau lebih mudahnya antara yang miskin dan yang kaya. Cinta pandang pertama yang berlaku di pasar membuatkan Setio jatuh cinta terhadap Asih, seorang puteri golongan bangsawan. 

Hasrat Setio memperisterikan Asih dibalas dengan tindakan menikam tangan Setio menggunakan sanggul kepala Asih yang tercicir di pasar oleh ibu Asih. Kecewa, marah dan dendam menembusi jiwa Setio. Tindakan Ibu Asih itu akhirnya membawa Setio ke jalan gelap dengan menggunakan ilmu ghaib, ilmu ‘Kandang Bubrah’ (kepercayaan orang Jawa) dengan alasan untuk menjadi kaya dan menjadi orang yang dihormati. Hal ini adalah dengan cara persetujuan dan perjanjian dengan syaitan, syaratnya :- jika dia meninggal dunia Setio akan menjadi tiang rumah. Setio akhirnya setuju dan berjaya menikahi Asih kerana sudah kaya dan dihormati.

Selama menjalani bahtera perkahwinan, pasti ada satu titik rahsia lama ditemukan. Akhirnya Asih tahu jika suaminya, Setio, menggunakan ilmu ‘Kandang Bubrah’ agar dapat berkahwin dengan dirinya. Kerna tidak mahu suaminya tersiksa menjadi tiang rumah, dan kerana cintanya terhadap suaminya, beliau juga telah membuat perjanjian dengan syaitan. Syaitan bersetuju, tetapi dengan syarat bahawa Asih perlu disetubuhi oleh syaitan.

Tayangan filem Setan Jawa di Yokyakarta, 21 Mei2017

Mungkin isu ini bunyi dan kelihatan lapuk bagi sesetengah orang, tambahan pula mengangkat latar kehidupan saat penjajahan Belanda sekitar tahun 1920-an. Kepercayaan terhadap alam mistik telalu tebal dalam kehidupan orang Jawa pada saat itu bahkan sehingga hari ini. Tetapi isu ini sangat sesuai dipaparkan, tambahan pula sentuhan Garin Nugroho untuk filem bisu dan hitam putih ini sangat menakjubkan. 

Saya kira, takaran filem Setan Jawa telah membuatkan pandangan saya yang sebelum ini tengtang "apa yang perlu ada dalam penceritaan sesebuah filem Malaysia" adalah tepat sama sekali. Boleh baca di sini:
(http://naque-ariffin.blogspot.co.id/2017/04/assalammualaikum-filem-kita-sudah.html ) 

Dalam memberi apresiasi terhadap karya ini, saya akan menggunakan pendekatan atau kaedah kritikan berdasarkan sejarah dalam menilai, memahami dan bagaimana pengkarya itu sendiri menghargai seni yang dihasilkan. Dengan cara ini kita dapat melihat kesan filem ini terhadap masyarakat dan pengaruh sejarah terhadap filem. Seterusnya kejelasan ikonografi dalam menjelaskan manifestasi peradapan sesebuah bangsa. Dan terakhir bagaimana Garin Nugroho mendapatkan sumber inspirasi dan budaya kerja berdasarkan sejarah.

Aroma nusantara begitu kuat dalam filem ini. Garin yang saya kenal melalui karya-karya beliau sebelum ini tidak pernah tergelincir dari budaya dan jati diri seorang Jawa. Filem-filem karya beliau:- Opera Jawa, Soegija, Nyai, Guru Bangsa Tjokroaminto dan lain-lain telah menceritakan kebanggan beliau menjadi anak Jawa dengan cara menampilkan estetika budaya setempat di dalam filem. Jawapannya hanya satu. SEJARAH! Saya akan menghuraikan dengan lebih lanjut tentang gagasan ini dengan terpeinci. Teruskan membaca!

Setan Jawa merupakan filem bisu yang diiringi muzik gamelan secara lansung (live), dengan visual hitam putih selama 73 minit. Kelihatan sangat minimal bukan? Tetapi apa yang membuatkan filem ini begitu elegan dan mewah dimata saya adalah kekayaan budaya yang ada di dalam filem ini. Filem ini banyak memainkan simbol-simbol Jawa yang membuat filem ini berada di kelasnya tersendiri. Walaupun plot penceritaan ini biasa dan mudah diteka (seperti yang saya terangkan diatas) , tetapi kelemahan itu ditutup dengan iringan muzik gamelan yang ditampilkan didepan layar, gabungan hasil sinematografi yang cantik untuk ditatap dan keasyikan tarian dan lakonan. Walaupun ini sebuah filem bisu, saya seakan mendengar jeritan batin yang membingit keluar dari ekspresi wajah Asik, lakonan mantap Asmara Abigail. Tanpa kata-kata, cukup dengan iringan gamelan yang begitu dramatik, kita akan mendengar jeritan seorang perempuan yang dihukum oleh takdir dari sebuah filem bisu ini. Kudos!

Seorang Garin Nugroho telah membuatkan Setan Jawa berada pada kelas well-made-play. Saya tahu ini merupakan istilah yang keluar dari tokoh teater moden, Henric Ibsen. Tetapi bagaimana ianya terkait dalam filem ini? Dan saya kira ini merupakan ramuan yang berhasil bilamana Julie Taymor menggunakan kaedah ini dalam penghasilan filem-filem karya beliau. 

Garin Dan Unsur Sejarah Dalam Filem Setan Jawa.

Menonton Setan Jawa seperti merasai sensasi menonton wayang kulit. Tidak hairan kerana wayang kulit adalah bahagian dari sejarah estetika sejarah filem. Dan sudah tentu cerita-cerita didalam pertunjukan wayang kulit tidak kira dari Hikayat Ramayana dan Mahabrata, Raden Inu Kertapati atau Putra Raja Kahuripan, semua penceritaanya berakhir dengan well-made-play (plot yang komplek yang menimbulkan peripety dan recognition, klimaks dan semua masalah diatasi) dan terhasilah poitic justice (Baik dibalas baik dan jahat dibalas jahat). Bila adegan dramatic, Dalang akan menggerakkan patung wayang dekat dengan kelir (Close-up dalam istilah filem) dan berada jauh dari kelir (wide shot) bilamana adegan santai. Seterusnya dengan iringan muzik secara lansung oleh pemuzik wayang kulit di belakang kelir. Inilah rujukan buat Garing barangkali dalam menghasilkan suasana baru dalam arena perfileman. Menggabungkan sejarah dan beradaptasi dengan cara lain.

Mari belajar sejarah lagi. Mengapa Garin mengangkat cerita ini di era 1920-an? Beliau terinspirasi dengan filem bisu hitam putih klasik berjudul Nosferatu (1922) dan Metropolis (1927), yang juga diiringi langsung oleh musik orkestra. Justeru apa kaitannya dengan Jawa? Jawapannya adalah 1920 ketika industri perfileman bangun di Negara luar, penjajah masih bermaharajalela di tanah Jawa. Pada waktu itu terjadi kolonialisasi di Indonesia maka lahirnya tahap kemiskinan yang sangat parah di tanah Jawa. Adegan ini dipaparkan pada minit-minit awal filem ini. Penjajah mengikat kaki warga setempat dengan besi dan batu dan dipaksa bekerja dan amalan mistik mula diamalkan kembali dengan kepercayaan mereka akan menjadi kaya. Garin berjaya menggabungkan dua sejarah sekaligus di dalam satu filem iaitu sejarah perfileman dan sejarah rakyat Jawa di era 20-an. 

Sebenarnya, jika kita melihat filem ini dari aspek yang meluas, ianya seakan memapar realiti masyarakat sekarang juga. Tidak hanya cinta, terkadang politik juga akan menghambat kita ke jalan yang dipaparkan ini samaada dalam sedar atau tidak. Sedikit informasi, filem ini hanya ditayangkan di beberapa Negara sahaja: Indonesia (September 2016, Yokjakarta Mei 2017), Melbourne (Februari 2017), Amsterdam , Singapura dan London. Mungkin yang berada di Malaysia boleh ke Singapura pada 21 Jun 2017 untuk menonton filem Setan Jawa.

Naque Ariffin,
Jakarta Pusat,
7 Jun 2017.

Review: Sebuah Karya Kritik Sosial Karya Najib Ahmad Bamadhaj

Jogja Art Festival atau ART|JOG|10 dibuka pada 19 Mei 2017 telah mengangkat tema ‘Changing Perspective'. ART|JOG|10 tidak hanya memayungi perkembangan seni rupa, tapi juga menjadi festival untuk merayakan keberagaman media seni serta pelaku kreatif. Terdapat seni film, seni pertunjukan, seni tari dan pelbagai lagi diangkat dalam ART|JOG|10 di Yokyakarta, Indonesia.

Pada pandangan saya, ‘Changing Perspective' diangkat bertujuan untuk mengubah sudut pandang individu saat ini. Mengangkat tema pandangan Barat (iaitu ejaan bahasa inggris) yang melakukan pendekatan sains dan teknologi agar dapat mewakili pengetahuan masyarakat modern yang berada di Timur. Paradoks dua perspektif itulah yang coba direspon oleh para seniman ARTJOG, melalui pendekatan – pendekatan tersebut termasuk kemajuan teknologi (berdasarkan hasil karya-karya yang dipamerkan) . Dalam banyak karya kreatif yang di pamerkan di ART|JOG|10 ini, saya tertarik dengan hasil karya Najib Ahmad Bamadhaj yang bertajuk ‘Hairy Ears' yang di pamerkan di lantai 2 galeri.

'Hairy Ears' oleh Najib Ahmad Bamadhaj

Karya 'Hairy Ears' ini adalah representasi visual dari ungkapan bahasa Melayu, yang diterjemahkan harfiah dari bahasa Inggeris berarti 'telinga berbulu'. Penjelasan paling baik dari ungkapan ini adalah perasaan kesal akan sesuatu atau seseorang. Definisi lainnya adalah kemuakan terhadap semua kebohongan yang diceritakan. Kalian pasti pernah mendengar orang melontarkan ayat sebegini: 'bebulu betul lah aku dengan dia ni..". Sebenarnya ini adalah gabungan idiom (ungkapan) gabungan antara telinga dan bulu. Seniman menggunakan cable ties pada bingkai besi untuk menggambarkan sepasang telinga.

Saya cuba menggunakan pendekatan logikal untuk merespon karya ini. Pendekatan ini mungkin dianggap tradisional tetapi ianya akan dirungkai secara logik dan intelektual. Saya tidak menggunakan pendekatan psikologi mahupun sejarah kerana kedua-dua kaedah ini mengambil masa untuk mendekati karya seni diatas.Dengan menggunakan kaedah logik, maka ianya akan sekaligus mengaitkan dengan maklumat, pemerhatian dan penghasilan produk karya.

Seniman berusaha untuk mengungkapkan ketidaksenangan dan ketidakpuasannya terhadap politikus lokal yang tidak dapat dipercaya, yang tidak dapat membantu orang-orang dahulu yang memilih mereka. Karya ini boleh dianggap sebuah bentuk kritik terhadap ahli politik yang tidak jujur dan berusaha sehabis mungkin untuk mengabaikan rakyatnya. Untuk menutupi kesalahan, mereka memanipulasi rakyatnya dengan jawaban yang sama sekali tidak terkait dan tidak relevan untuk persoalan-persoalan bangsa. Pada akhirnya rakyat hanya inginkan kebenaran. Maka dengan itu, ungkapan telinga berbulu adalah ungkapan seniman terhadap skenario politik lokal.

Anda pasti berbulu dengan jawapan menteri-menteri yang dipilih oleh rakyat bila mana mereka mengeluarkan kenyataan seperti ini: " Kalau ayam mahal, jangan makan ayam' atau 'kalau tol naik harga, jangan guna tol'. Berbulu bukan? Ini lah yang cuba saya rungkai dan analisa berdasarkan karya ini. Ini adalah pandangan peribadi saya memandangkan karya ini hanya meletakan judul Telinga Berbulu dan saya rasa inilah kritikan sosial buat sesetengah jemaah menteri kita.

Analisis Formal

Pada karya ini background atau latarnya merupakan logam besi. Selain unsur logam, pada karya seni ini juga terdapat unsur garis dan tekstur. Terkstur pada karya ini adalah tekstur dimana seniman menggunakan cable ties dan visualnya tampak serta timbul, yakni tekstur kasar/tak rata pada background dan tektur halus pada subject matter. Dan mungkin dengan penghasilan karya ini seniman bakal dilontarkan ke dalam jeriji besi seperti aktivis dan kartunis sebelumnya.

Interpretasi

Dalam karya ini seniman berusaha menampilkan rasa ‘berbulunya’ pada pemerintah. Seperti yang saya nyatakan diatas, berbulu disini bermaksud telinga mereka sudah capek/penat mendengar alasan serta omongan pemerintah. Background pada karya yang bergaris-garis seperti penjara bermaksud seniman cuba keluar dari ‘penjara’ atau lingkungan normal dengan menghasilkan karya ini. Ini adalah cara beliau berekspresi dan tidak mahu terkurung didalam sistem pemerintahan. Walaupun pelbagai halangan (garis-garis logam), dendam yang selama ini tersimpan telah melimpah keluar (bulu-bulu dari telinga) yang dapat dilihat pada karya ini. 

Penilaian

Karya Najib Ahmad yang berjudul “Telinga Berbulu” menggambarkan suasana kejelikan dan maknanya dapat ditangkap oleh orang yang melihatnya. Karya ini juga mampu menyampaikan pesan yang ingin diungkapkan oleh seniman kepada penonton atau publik. Selain itu karya ini memiliki karakteristik yang berbeda dengan seniman lain yaitu menggabungkan idea instalasi yang dari jauh ia kelihatan seperti sebuah lukisan, tetapi bila didekati, nyata karya ini timbul. Falsafahnya di sini adalah, seperti beberapa orang pemimpin, dari jauh ia kelihatan baik di media-media masa, tetapi bila di dekati ianya tidak seindah seperti yang dikabarkan media. Tidak semua pemimpin begitu, oleh sebab itu seniman ini memilih warna hitam dan putih. 

Penilaian sebuah karya seni bukan berbicara tentang baik atau buruk, salah atau benar melainkan tentang pemaknaan tersebut meyakinkan atau tidak. Karya seni dapat dinilai dengan berbagai kriteria dan aspek, Bill Barret (seorang seniman seni rupa dari Amarika) menyederhanakan penilaian karya seni ke dalam 4 kategori iaitu realisme, ekspresionisme, formalism, dan instrumentalisme. Jadi terserah kepada kita untuk menilai karya iani berada di takok yang mana. Secara keseluruhan karya ini dapat dibilang sebagai karya yang luar biasa dan banyak penggemar serta menjadi salah satu karya yang paling unik di Art Jog 10 pada pandangan peribadi saya.

p/s: Oh ya, Najib Ahmad Bamadhaj merupakan seniman dari Malaysia, dan saya merasakan hujah serta pandangan saya sejajar dengan maksud yang beliau mahu ungkapkan.Tetapi beliau mungkin lebih halus. Saya memilih pendekatan secara logik kerana apa?Jika difikirkan secara logik, seniman yang berasal dari Malaysia ini berbulu telingnya pada siapa? Sudah tentu dengan kenyataan-kenyataan yang dikeluarkan oleh menteri-menteri dari Negara kita seperti yang saya nyatakan diatas. Saya cuba membuat analisa yang terpeinci terhadap karya ini memandangkan seniman ini berasal dari Malaysia, dan menariknya situasi politik di Malaysia pada masa ini amat tenat. Sekarang, kalian berbulu ke tidak?

Naque Ariffin,
Yokyakarta (Jogja),
25/5/2017.

Assalammualaikum... Filem Kita Sudah Sampai Dimana?

Ketika penulisan ini masih dalam rangka awal, saya begitu celaru. Samaada saya ingin menulis cara memajukan filem Malaysia atau meningkatkan mutu filem Malaysia. Dalam masa yang sama, saya juga memikirkan kemanakah arah filem Malaysia 5 tahun mendatang? 

Dalam beberapa hal, sememangnya patut kita dipandang tinggi kerana Malaysia antara Negara yang mempunyai kecanggihan dalam aspek keperluan teknikal filem. Dalam banyak hal pula kita di pandang rendah kerana mensia-siakan keperluan yang ada. Digital Mix Stage Studio telah di rasmikan pada 1 Februari 2009. Kompleks audio di FINAS yang tersergam indah itu dilengkapi dengan digital mixing stage lengkap dengan Dolby Premier Studio. Persoalan saya hari ini selepas beberapa tahun diwujudkan, berapa buah filem yang telah menggunakan alat tersebut? Berapa ramai pakar yang kita ada dan boleh mengurus (operate) mesin canggih tersebut? 1? 2? Atau belum pernah ada? Samalah persoalan saya mengenai studio Pinewood di Iskandar, Johor Baharu. Berapa buah filem tempatan kita yang telah melakukan proses pengambaran disana? Kenyataan ini memamng sadis jika difikirkan secara logik. Sudahlah, jagan difikirkan apa yang kita tidak ada dari segi teknologi, tetapi bergeraklah dengan apa yang kita mampu. Tolak ketepi dengan Lembaga penapisan filem, sebagai seniman filem saya kira itu adalah cabaran bagaiman kita mampu membuat sebuah filem yang berlapis-lapis dan membawa simbol serta mengangkat semiotik tertentu. Tulisan ini akan membawa kepada cara meningkatkan mutu filem Malaysia dengan cara semampunya. Selepas kita meningkatkan mutu filem kita, barulah proses bagaimana memaju atau memasarkan filem ke persada dunia. Pengkukuhan 3 aspek ini mungkin akan membuatkan mutu filem kita berubah menurut pandangan saya.

Penceritaan.

Sebenarnya, kita beruntung kerana berada di Asia. Jika dikaji secara mendalam, hanya Negara- Negara di lingkungan Asia sahaja yang mempunyai banyak tradisi serta citra nusantara yang masih dikaji oleh bijak pandai sehingga hari ini. Sebenarnya, kita tidak perlu untuk membuat cerita robot-robot yang beterbangan dan berdiri gagah di kota Kuala Lumpur kerana Amarika atau lebih tepatnya Hollywood tidak mempunyai budaya yang unik untuk di tampilkan dalam filem mereka. Oleh sebab itu mereka mencipta budaya. Memang benar kita amat ketinggalan jauh jika di bandingkan dengan mereka dari segi teknologi serta aspek pembikinan sesebuah filem, tapi dari aspek cerita, kita mampu menang dari mereka. Tahun lalu, sebuah filem pendek dari Indonesia telah menang di Festival Filem Cannes dengan hanya menjual cerita sehari-hari. Saya fikir, kejujuran dalam menghasilkan cerita lebih tinggi nilainya dari aspek teknologi. Sesungguhnya saya tidaklah menolak filem-filem sains fiksi, tetapi untuk meningkatkan mutu filem kita, kita haruslah mencari isi cerita terlebih dahulu.

Malaysia punyai pelbagai tradisi yang belum diketengahkan. Saya masih teringat lagi tema Festival Filem Malaysia ke-22, “Filem Malaysia ke Persada Dunia”. Namun filem-filem yang dipersembah ketika itu dan sehingga hari ini mengandungi jalan cerita dan lawak jenaka yang tidak universal dan sukar difahami oleh penonton antarabangsa. Tidaklah semuanya. Saya bangga baru-baru ini filem Redha dan Interchange berkelana ke merata festival film Antarabangsa. Tahniah! Namun, apakah kita mampu merelakan cerita-cerita lain yang masuk ke pawagam. Hari ini, tidak ada resepi yang khusus untuk membuat sesebuah filem. Jika kita terus bergantung kepada kehendak penonton, kita akan tenggelam dengan permintaan-permintaan yang tidak lansung mendidik malah akan membuatkan mutu filem kita jadi lebih rendah. Mengambil contoh filem aksi ‘Ong Bak’ dari Negara Thailand misalnya, filem ini memenangi anugerah Filem Aksi Asia di Festival Filem Asia di Deauville, Perancis itu turut tercalon sebagai Filem Terbaik di Festival Filem Antarabangsa Catalonia, Sepanyol. Apa yang dijual dalam filem ini? Sudah tentu Ong Bak bukanlah satu filem yang sarat dengan falsafah tetapi ia mampu memenangi hati penonton menerusi plot filem yang amat ringkas dan aksi pertempuran dengan gaya seni mempertahankan diri yang unik di Thailand dikenali sebagai Muay Thai. Saya kira ini lah resepinya. Melihat kejayaan The Journey, nyata resepi ini berhasil. Menjual citra budaya dan lingkungan setempat. Sedar tidak sedar, dari penceritaan ini kita akan temukansebuah lokasi yang sangat asing bagi kita. Bergeraklah dengan sebuah naskah dan cerita yang punya nilai budaya atau lingkungan yang ada di negara kita, kemudian coraklah naratif  atau narasi penceritaaannya.

Pemilihan Pelakon.

Saya beranggapan, sehebat manapun pengarah atau sutradara, jika pelakon tidak boleh membawa watak dan cerita maka ianya menjadi sia-sia. Selain dari itu, selaku pengarah yang merupakan nakhoda sebuah produksi, keputusan adalah ditangan anda dalam aspek pemilihan pelakon bukan produser. Tetaplah dengan keputusan anda jika ingin menjaga mutu dan kualiti filem anda. Pemilihan pelakon haruslah bersesuaian dengan kehendak watak. Sebenarnya, 80 pratus tugas pengarah jadi mudah bila dia berjaya memilih pelakon yang tepat dengan kesesuain watak. Kerana mereka ini yang akan mendayung cerita anda sehingga ke akhir. Saya mengambil contoh sebuah filem Holywood, La La Land misalnya. Kenapa Damien Chazella memilih Emma Stone? dia memilih dua orang pelakon yang bernyanyi pun biasa-biasa sahaja dan menaripun tidaklah mengasyikan sampai kita klimaks sedangkan ini filem Muzikal? Jawapannya adalah, ‘kehendak watak’. Justru watak Emma Stone (Mia) bukanlah seorang pelakon dan penyanyi profesional, maka perwatakanya yang bercita-cita tinggi dan tidak mudah mengenal putus asa itu sangat sesuai dgn Emma. Bukan macam cerita kita yang watak jual cendol pun nak kena badan sado, pipi mulus tanpa sebarang jerawat walau berniaga di tengah panas. Inilah yang saya sebut di atas tadi: berhenti mengikut permintaan penonton yang menjahanamkan mutu film kita. 

Proses Tidak Pernah Menipu.

Saya adalah orang yang sangat percaya pada proses. Saya juga percaya, sesebuah produksi yang menjalankan proses latihan bersama aktor sebelum masuk ke set pengambaran adalah langkah yang sangat penting untuk meningkatkan mutu filem tersebut. Pada tahun 2010 ketika saya terlibat dalam sebuah produksi teater arahan Fared Ayam, pelakon-pelakon yang lain seperti Nam Ron, Zahiril Adzim dan Ameerul Afendi sering datang lewat ke latihan teater. Mereka menjalankan latihan untuk sebuah filem arahan Dain Said ketika itu, Bunohan. Perasaan teruja untuk menonton filem itu benar-benar saya rasakan bilamana mereka menceritakan proses dimana mereka terpaksa belajar Muay Thai dan kelas bahasa Kelantan. Akhirnya, kita dapat lihat hasil di layar lebar bagaimana proses yang saya katakana tadi tidak pernah menipu. Kejujuran emosi yang keluar oleh semua barisan pelakon memang tidak dapat dinafikan dan ternyata Bunohan menang besar dalam Festival Filem Malaysia tahun berikutnya.

Ketika saya terlibat sebagai Acting Coach untuk sebuah filem yang berjudul Jibam pada tahun lalu, agak janggal bagi saya kerana hanya melatih seorang pelakon. Memandangkan barisan pelakon untuk filem ini semuanya mempunyai pengalaman yang luas dalam bidang lakonan, hanya watak utama yang belum pernah berlakon sahaja di hantar kepada saya untuk mendalami watak, emosi dan cerita. Ini adalah salah pada pandangan saya. Dan ternyata di set pengambaran apa yang saya khuatirkan berlaku. Ada beberapa pelakon yang berpengalaman bertanyakan pada saya ‘apa yang berlaku ketika adegan ini ye?’, “sebelum sceen ini apa yang berlaku’ dan pelbagai lagi soalan yang pada saya mereka dibayar untuk mengkaji itu. Ini lah yang membimbangkan saya. Saya faham benar masalah kekangan masa. Tetapi persefahaman antara rakan lakon tidak mungkin dapat terlajin hanya dalam beberapa minit sebelum pengambaran dimulakan. Proses latihan itu penting. Sebelum pengambaran berlaku dan bukan ketika 2 minit sebelum pengarah berkata ‘and… action!’ 

Sebagai seorang pengarah filem, anda harus percaya kepada tugas seorang guru lakon/acting coach. Mereka dibayar untuk memahami kehendak cerita, mentelaah setiap emosi dan menggerakan pelakon berdasarkan kehendak watak. Memang benar anda akan percayakan seseorang pelakon yang pernah anda arahkan atau anda kenali, tetapi tidak mahukah anda memandang mereka dari sisi lain jika dalam proses latihan bersama guru lakon tadi menemukan sesuatu yang baru dalam diri pelakon yang lama atau berpengalaman?

Jika FFM ke-22 mengangkat tema filem kita ke persada dunia, saya sekadar ingin bertanya. Setelah FFM ke-28, sudah sampai mana filem kita?

'I use cinematic things in a theatrical way on stage, and in film I use theatrical techniques in a cinematic way'' - Julie Taymor

Naque Ariffin, 

Jakarta Pusat.

6 April 2017.